Jazzist
21.04.202513:16
💿 Marshall Allen «New Dawn» (Week-End, 2025)
📝****1/2
Саксофонист Маршалл Аллен родился в 1924 году в Льюисвилле, штат Кентукки. В возрасте двадцати лет он понюхал пороху Второй мировой: его 92-ю пехотная дивизия воевала во Франции. Оказавшись в Париже, Аллен осваивает саксофон. В 1958 году он присоединяется к Sun Ra Arkestra, которому посвящает всю жизнь. После того как в середине 90-х сначала сам Сан Ра, а потом и сменивший его Джон Гилмор «покинули планету», Аллен принял на себя руководство оркестром. При нем коллектив выпустил два студийных лонгплея и до недавних пор активно гастролировал по всему свету.
В качестве сайдмена Аллен работал с пионером фри-джаза Эдом Блэкуэллом, барабанщиком Бабатунде Олатунджи, саксофонистом Оудином Поупом, группами Medeski Martin & Wood и Kronos Quartet, детройтским электронщиком Карлом Крейгом и поэтессой Энджел Бэт Дэвид — список можно продолжать долго. Тем удивительнее, что собственной сольной записи у Аллена до сих пор не было.
Дебют «New Dawn» получился, по мнению Ильи Рассказова, ярким. Это взгляд на всю историю джаза, но альбом перекликается с тем, что происходит на сегодняшней сцене. Дух Сан Ра незримо присутствует наэтой записи, но главная ценность альбома в том, что он показывает Аллена как самостоятельную творческую единицу. Аллен предстает перед слушателем как умудренный лирик и романтик, ироничный старик — и всё это резко контрастирует с привычным образом огненного демона-пришельца с саксофоном, выжигающим пространство вспышками космических лазеров.
Полную рецензию Ильи Рассказова читайте на нашем сайте.
📝****1/2
Саксофонист Маршалл Аллен родился в 1924 году в Льюисвилле, штат Кентукки. В возрасте двадцати лет он понюхал пороху Второй мировой: его 92-ю пехотная дивизия воевала во Франции. Оказавшись в Париже, Аллен осваивает саксофон. В 1958 году он присоединяется к Sun Ra Arkestra, которому посвящает всю жизнь. После того как в середине 90-х сначала сам Сан Ра, а потом и сменивший его Джон Гилмор «покинули планету», Аллен принял на себя руководство оркестром. При нем коллектив выпустил два студийных лонгплея и до недавних пор активно гастролировал по всему свету.
В качестве сайдмена Аллен работал с пионером фри-джаза Эдом Блэкуэллом, барабанщиком Бабатунде Олатунджи, саксофонистом Оудином Поупом, группами Medeski Martin & Wood и Kronos Quartet, детройтским электронщиком Карлом Крейгом и поэтессой Энджел Бэт Дэвид — список можно продолжать долго. Тем удивительнее, что собственной сольной записи у Аллена до сих пор не было.
Дебют «New Dawn» получился, по мнению Ильи Рассказова, ярким. Это взгляд на всю историю джаза, но альбом перекликается с тем, что происходит на сегодняшней сцене. Дух Сан Ра незримо присутствует наэтой записи, но главная ценность альбома в том, что он показывает Аллена как самостоятельную творческую единицу. Аллен предстает перед слушателем как умудренный лирик и романтик, ироничный старик — и всё это резко контрастирует с привычным образом огненного демона-пришельца с саксофоном, выжигающим пространство вспышками космических лазеров.
Полную рецензию Ильи Рассказова читайте на нашем сайте.
10.04.202517:06
В третьем выпуске рубрики «История одного названия» вспоминаем, в честь чего Сонни Роллинз решил назвать одну из свои лучших композиций.
Композицию «Oleo» 24-летний Сонни Роллинз написал в 1954 году. Первая запись была сделана для альбома Майлза Дэвиса «Bags’ Groove». Простая и оттого моментально оседающая в голове мелодия обрамлена 32-тактовой аккордовой последовательностью, позаимствованной из «I Got Rhythm» Джорджа Гершвина.
Несмотря на то, что испанских мотивов в мелодии нет и в помине, волей-неволей хочется придать названию высокий смысл. Сравнить с картиной молодого и дерзкого художника. На самом деле всё гораздо проще. Роллинз назвал композицию, ставшую впоследствии джазовым стандартом, в честь любимой марки маргарина. В этом месте можно сделать вольное допущение: если бы Роллинз написал эту композицию и звали его не Сонни, а, допустим, Евгений, он вполне мог бы выбрать название «Пышка».
Впрочем, нельзя не признать, что отсутствие высокого смысла «Oleo» ничуть не мешает, а наоборот, только пробуждает аппетит. Вечная классика.
Слушать «Oleo»
Композицию «Oleo» 24-летний Сонни Роллинз написал в 1954 году. Первая запись была сделана для альбома Майлза Дэвиса «Bags’ Groove». Простая и оттого моментально оседающая в голове мелодия обрамлена 32-тактовой аккордовой последовательностью, позаимствованной из «I Got Rhythm» Джорджа Гершвина.
Несмотря на то, что испанских мотивов в мелодии нет и в помине, волей-неволей хочется придать названию высокий смысл. Сравнить с картиной молодого и дерзкого художника. На самом деле всё гораздо проще. Роллинз назвал композицию, ставшую впоследствии джазовым стандартом, в честь любимой марки маргарина. В этом месте можно сделать вольное допущение: если бы Роллинз написал эту композицию и звали его не Сонни, а, допустим, Евгений, он вполне мог бы выбрать название «Пышка».
Впрочем, нельзя не признать, что отсутствие высокого смысла «Oleo» ничуть не мешает, а наоборот, только пробуждает аппетит. Вечная классика.
Слушать «Oleo»
08.04.202515:03
💬 «Цитатник Джазиста»: народный артист России пианист Даниил Крамер о том, что мы называем российским джазом.
Из интервью «Джаз.ру», 2025 год
Что мы называем российским джазом? Мы можем назвать российским джазом музыку с использованием российского фольклора. Это ли мы называем российским джазом? Или мы называем российским джазом то, что российские музыканты немножко по-своему играют американский или «проевропейский» джаз? Или мы называем российским джазом генерацию идей в России, которая отличается от генерации идей в Соединенных Штатах и от генерации идей в Европе. Что мы называем российским джазом? Если мы говорим о генерации идей, то пока что российского джаза маловато. В основном идет накопление информации, и пока что российский джаз, на мой взгляд, более вторичен, нежели первичен. Это не хорошо и не плохо.
Из интервью «Джаз.ру», 2025 год
04.04.202513:00
💿 Jeremy Pelt «Woven» (HighNote, 2025)
📝 ***
О трубаче Джереми Пелте можно сказать много хорошего: мастеровит, работоспособен, джазовый канон не отрицает, за хайпом не гонится. Успел поработать с Уэйном Шортером, Роем Харгроувом, Рави Колтрейном, Джимми Хитом и Фрэнком Фостером. В музыкантском сообществе получил заслуженные уважение и почет. За двадцать лет выпустил 25 сольных альбомов и ухитрился избежать откровенной халтуры. Привлекал в свои составы талантливую молодежь без громких имен, что называется, на вырост.
Свежий альбом Пелта «Woven» все названные тезисы, в общем-то, подтверждает. Пелт верен своему саунду, отсылающему к Клиффорду Брауну и Фредди Хаббарду. Он рискует, отходя от акустики в сторону электричества, но делает этов меру. «Woven» с недвусмысленными кивками в сторону альбомов Майлза Дэвиса конца 60-х звучит скорее ностальгически, а не новаторски. Рядом с ним в составе сплошь новые и неизведанные имена, а клавишницу Пелт и вовсе нашел, пролистывая видео в одной из соцсетей. Материал пластинки под стать названию — тщательно соткан по всем канонам жанра. На месте и быстрые номера с грувом, свингом и жаркими соло гитары, трубы и вибрафона, и медленные баллады с парящими мелодическими линиями.
Всё на «Woven» устроено ладно и складно, и тем не менее трудно отделаться от ощущения, что перед нами необязательная музыка. Пелт, конечно, одаренный мелодист, но не настолько, чтобы взять за душу. Набранная им молодежь, безусловно, талантлива, но пока способна вызывать лишь дежурный интерес, а не искреннее любопытство. Джереми — профессионал высшего уровня — наверняка готов записать еще 25 альбомов без потери качества, но все они не будут стоить и минуты «Red Clay» или «Filles de Kilimanjaro». У Пелта, вне всякого сомнения, сложился свой собственный голос, но он не настолько уникален, чтобы мгновенно распознать его среди многих на него похожих. Это, к слову, проблема совсем не Джереми Пелта. Как бы странно это ни звучало.
Александр Аношин
Слушать альбом
📝 ***
О трубаче Джереми Пелте можно сказать много хорошего: мастеровит, работоспособен, джазовый канон не отрицает, за хайпом не гонится. Успел поработать с Уэйном Шортером, Роем Харгроувом, Рави Колтрейном, Джимми Хитом и Фрэнком Фостером. В музыкантском сообществе получил заслуженные уважение и почет. За двадцать лет выпустил 25 сольных альбомов и ухитрился избежать откровенной халтуры. Привлекал в свои составы талантливую молодежь без громких имен, что называется, на вырост.
Свежий альбом Пелта «Woven» все названные тезисы, в общем-то, подтверждает. Пелт верен своему саунду, отсылающему к Клиффорду Брауну и Фредди Хаббарду. Он рискует, отходя от акустики в сторону электричества, но делает этов меру. «Woven» с недвусмысленными кивками в сторону альбомов Майлза Дэвиса конца 60-х звучит скорее ностальгически, а не новаторски. Рядом с ним в составе сплошь новые и неизведанные имена, а клавишницу Пелт и вовсе нашел, пролистывая видео в одной из соцсетей. Материал пластинки под стать названию — тщательно соткан по всем канонам жанра. На месте и быстрые номера с грувом, свингом и жаркими соло гитары, трубы и вибрафона, и медленные баллады с парящими мелодическими линиями.
Всё на «Woven» устроено ладно и складно, и тем не менее трудно отделаться от ощущения, что перед нами необязательная музыка. Пелт, конечно, одаренный мелодист, но не настолько, чтобы взять за душу. Набранная им молодежь, безусловно, талантлива, но пока способна вызывать лишь дежурный интерес, а не искреннее любопытство. Джереми — профессионал высшего уровня — наверняка готов записать еще 25 альбомов без потери качества, но все они не будут стоить и минуты «Red Clay» или «Filles de Kilimanjaro». У Пелта, вне всякого сомнения, сложился свой собственный голос, но он не настолько уникален, чтобы мгновенно распознать его среди многих на него похожих. Это, к слову, проблема совсем не Джереми Пелта. Как бы странно это ни звучало.
Александр Аношин
Слушать альбом
26.03.202513:06
Сегодня в новом выпуске рубрики «Мнение» наш постоянный автор, музыкант и композитор Юрий Виноградов размышляет о движущей силе любви и интереса к джазу.
Джаз часто называют сложным или элитарным. Действительно, для наслаждения джазом требуется если не минимальная музыкальная «квалификация», то хотя бы определенная склонность или слуховой опыт. Конечно, возможна чистая и непосредственная влюбленность в такую музыку, но всё же получение удовольствия от музыки, скажем, Сан Ра или Сесила Тейлора предполагает некоторую наслушанность. С другой стороны, джаз — открытая музыка, которая всегда доступна для исследования, и «сложность джаза» — всего лишь вопрос привычки. Чтобы наслаждаться «So What» Майлза Дэвиса, не нужна специальная подготовка.
Необязательно любить что-то, чтобы живо интересоваться этим. Интерес позволяет расширить собственные горизонты, увеличить свой мир, поселить в нем новые феномены, и этот процесс сам по себе может быть наслаждением. Интерес к джазу не требует безоговорочной любви — достаточно любопытства.
Джазом можно интересоваться как уникальным, непростым и насыщенным музыкальным миром, культурным и историческим феноменом, источником влияний на поп-культуру, гуманитарную науку или другие жанры музыки. Джаз возник на плодородной почве, поэтому интересно изучать его как реакцию музыкального сознания события и обстоятельства XX и XXI веков. Как рэгтайм и новоорлеанский джаз превратились во фри-джаз и хард-боп? Как джаз влияет на современную популярную музыку, в частности хип-хоп (Роберт Гласпер) или электронику (Flying Lotus)?
Джазом можно восхищаться как уникальным примером живой музыкальной речи, где так важна импровизация. Джаз говорит не заученно. Он, как лакмусовая бумажка, проявляет окрас текущего мгновения. Это уникальный опыт, с которым сложно соприкоснуться в других жанрах и формах музыки.
Можно не любить музыку Дюка Эллингтона, но зацепиться за импровизации Кита Джарретта. Или увлекаться бибопом, но скучать от фьюжна. Интерес может быть выборочным, но базовые вопросы для любого исследователя — что происходит в этой музыке и почему другие люди способны ее любить. Поиск ответов на эти вопросы — «путешествие» к другим людям, к чужой субъективности. Двигаясь к незнакомому нам искусству, мы движемся к людям.
Джаз часто называют сложным или элитарным. Действительно, для наслаждения джазом требуется если не минимальная музыкальная «квалификация», то хотя бы определенная склонность или слуховой опыт. Конечно, возможна чистая и непосредственная влюбленность в такую музыку, но всё же получение удовольствия от музыки, скажем, Сан Ра или Сесила Тейлора предполагает некоторую наслушанность. С другой стороны, джаз — открытая музыка, которая всегда доступна для исследования, и «сложность джаза» — всего лишь вопрос привычки. Чтобы наслаждаться «So What» Майлза Дэвиса, не нужна специальная подготовка.
Необязательно любить что-то, чтобы живо интересоваться этим. Интерес позволяет расширить собственные горизонты, увеличить свой мир, поселить в нем новые феномены, и этот процесс сам по себе может быть наслаждением. Интерес к джазу не требует безоговорочной любви — достаточно любопытства.
Джазом можно интересоваться как уникальным, непростым и насыщенным музыкальным миром, культурным и историческим феноменом, источником влияний на поп-культуру, гуманитарную науку или другие жанры музыки. Джаз возник на плодородной почве, поэтому интересно изучать его как реакцию музыкального сознания события и обстоятельства XX и XXI веков. Как рэгтайм и новоорлеанский джаз превратились во фри-джаз и хард-боп? Как джаз влияет на современную популярную музыку, в частности хип-хоп (Роберт Гласпер) или электронику (Flying Lotus)?
Джазом можно восхищаться как уникальным примером живой музыкальной речи, где так важна импровизация. Джаз говорит не заученно. Он, как лакмусовая бумажка, проявляет окрас текущего мгновения. Это уникальный опыт, с которым сложно соприкоснуться в других жанрах и формах музыки.
Можно не любить музыку Дюка Эллингтона, но зацепиться за импровизации Кита Джарретта. Или увлекаться бибопом, но скучать от фьюжна. Интерес может быть выборочным, но базовые вопросы для любого исследователя — что происходит в этой музыке и почему другие люди способны ее любить. Поиск ответов на эти вопросы — «путешествие» к другим людям, к чужой субъективности. Двигаясь к незнакомому нам искусству, мы движемся к людям.
12.04.202516:26
💬 «Цитатник Джазиста»: пианист и композитор Андрей Кондаков, выпустивший в прошлом году на нашем лейбле прекрасный альбом «Being a Human Being», объясняет почему в музыке Херби Хэнкока ощущается столько свободы:
Краткий курс по истории джаза, 2014 год
Хэнкок был одним из первых пианистов тех лет, который достиг невероятной степени свободы.
Есть такая не очень известная пьеса, которая называется
«Finger Painting»
.
У нее очень интересная форма: такты внутри квадрата делятся на 6, 8 и 6. Хэнкок специально создает такую форму, что не понимаешь, где начало квадрата. Всё время происходит обновление этой восьмерки, в середине накапливается энергия. В басу есть органный пункт на восемь тактов, потом он вырывается в последние шесть тактов, которые переходят в начальные шесть тактов. Совершенно непонятно, где граница, где начало, а где конец. Хэнкок сам формирует свободу в заданных рамках.
Еще одна пьеса под названием
«Actual Proof»
с альбома «Thrust» тоже очень показательна. Херби очень ее любит, часто с нее начинает концерты. Там есть два риффа, которые остаются неизменными на протяжении всей импровизации. Эти риффы смещены по отношению к первой доле и постоянно появляются, как сюрприз, не в том месте, где ты их ждешь. Получается некая пружина: с одной стороны, есть те неизменные формообразующие ритмические фигуры, с другой стороны — абсолютно свободные соло. И всё время происходит какое-то обновление. Это очень интересно для композиторов с точки зрения анализа формообразования таких, казалось бы, простых пьес — там есть над чем подумать.
Краткий курс по истории джаза, 2014 год
09.04.202516:26
Стиву Гэдду — 80
Сегодня исполняется 80 лет барабанщику Стиву Гэдду. Гэдд — великий мастер и в то же время выдающийся ремесленник. Это тот самый уникальный случай, когда талант и работоспособность находятся в равновесии. Гэдд создал свой собственный неповторимый стиль с уникальными наработками (chops).
Саунд Гэдда нельзя повторить — на него можно только равняться. За свою карьеру он принял участие более чем в 700 записях, с легкостью преодолевая границы устоявшихся жанров. Гэдд умеет быть самим собой вне зависимости от музыкального контекста и при этом никому себя не навязывает. Он редкий пример яркого индивидуалиста, которого нельзя упрекнуть в эгоизме.
Свои музыкальные находки Гэдд использует не для саморекламы, а для того, чтобы песни и композиции других людей зазвучали лучше. Он, безусловно, каждый раз играет самого себя, но никогда не делает одно и то же. Возможно, именно поэтому Гэдд при запредельной производительности умудрился не выйти в тираж. Несмотря на возраст, он и сейчас в отличной форме: не утратил интереса ни к созданию нового, ни к музыкальной рутине, которой по-прежнему готов подчинять свою жизнь.
Охватить всё творчество Гэдда в одном посте невозможно, поэтому сооснователь «Джазиста» Александр Аношин решил остановиться на шести своих любимых записях.
«50 Ways to Leave Your Lover» Пола Саймона и «Aja» Steely Dan
Пик карьеры Гэдда удачно совпал с периодом расцвета музыкальной индустрии. В 70-е Гэдд, востребованный сесcионный музыкант, работал круглыми сутками, и, по собственному признанию, к вечеру уже мог не помнить, какие композиции записывал с утра. Его вступительное соло в «50 Ways to Leave Your Lover» и кода в «Aja» были записаны в дефиците времени и с одного дубля. Это можно считать не иначе как божественным провидением, так по-гэддовски высеченным из пахоты и поденщины. Сам Гэдд скромно считает, что ему просто повезло. Те, кто хотя бы раз слышал его грув в этих песнях, не забудут его никогда.
«Rock Skippin'» Джима Холла
Альбом «Concierto» — шедевр Джима Холла, жемчужина лейбла CTI и одна из вершин продюсерского гения Крида Тейлора. Состав из звезд (Джим Холл, Чет Бейкер, Пол Дезмонд, Рон Картер, Роланд Ханна) и одновременно состав-звезда. Но именно Гэдд здесь — та самая ось, вокруг которой вращается эта блистательная музыка. Его «время» безошибочно, акценты — безупречны. В эллингтоновской «Rock Skippin'» умение Гэдда слушать музыку, в нужные моменты оставаться в тени и при этом насыщать пространство своим фирменным четвертным грувом, проявляется едва ли не лучше всего.
«Maputo» Дэвида Сэнборна и Боба Джеймса
Гэдд много работал с Сэнборном и Джеймсом по отдельности, записав с каждым по дюжине альбомов. Но именно на совместной пластинке «Double Vision» на пару с басистом Маркусом Миллером ему удался лучший грув смус-джаза всех времен и народов.
«Quartet 1» Чика Кориа
Гэдда принято ассоциировать с фьюжном, фанком и сессионной работой с поп-артистами, но нельзя забывать, что он и выдающийся постбоповый барабанщик. Альбом «Three Quartets», записанный Чиком Кориа в начале 80-х, стал подарком поклонникам джаза в период, когда акустический джаз находился в упадке. В первой композиции, построенной вокруг простого и цепкого вэмпа, Гэдд не только качает грув, но и искусно орнаментирует звучание.
«Foots» Stuff
Stuff — сессионная супергруппа во главе с гитаристом Эриком Гейлом, которую недооценивали критики. Считалось, что музыканты способны на большее, чем просто развлекательная музыка для всех и каждого. Сейчас, переслушивая альбомы Stuff, к группе есть только одна претензия: почему альбомов так мало? Редко кому из инструменталистов удавалось создавать композиции, столь безупречные по форме и содержанию. «Foots», первый номер одноименного альбома группы, помимо прочего, наглядно демонстрирует, что такое настоящий грув in the pocket.
Отдельное упоминание: двухчасовой концертный альбом группы Steps «Smokin' in the Pit».
Александр Аношин
Сегодня исполняется 80 лет барабанщику Стиву Гэдду. Гэдд — великий мастер и в то же время выдающийся ремесленник. Это тот самый уникальный случай, когда талант и работоспособность находятся в равновесии. Гэдд создал свой собственный неповторимый стиль с уникальными наработками (chops).
Саунд Гэдда нельзя повторить — на него можно только равняться. За свою карьеру он принял участие более чем в 700 записях, с легкостью преодолевая границы устоявшихся жанров. Гэдд умеет быть самим собой вне зависимости от музыкального контекста и при этом никому себя не навязывает. Он редкий пример яркого индивидуалиста, которого нельзя упрекнуть в эгоизме.
Свои музыкальные находки Гэдд использует не для саморекламы, а для того, чтобы песни и композиции других людей зазвучали лучше. Он, безусловно, каждый раз играет самого себя, но никогда не делает одно и то же. Возможно, именно поэтому Гэдд при запредельной производительности умудрился не выйти в тираж. Несмотря на возраст, он и сейчас в отличной форме: не утратил интереса ни к созданию нового, ни к музыкальной рутине, которой по-прежнему готов подчинять свою жизнь.
Охватить всё творчество Гэдда в одном посте невозможно, поэтому сооснователь «Джазиста» Александр Аношин решил остановиться на шести своих любимых записях.
«50 Ways to Leave Your Lover» Пола Саймона и «Aja» Steely Dan
Пик карьеры Гэдда удачно совпал с периодом расцвета музыкальной индустрии. В 70-е Гэдд, востребованный сесcионный музыкант, работал круглыми сутками, и, по собственному признанию, к вечеру уже мог не помнить, какие композиции записывал с утра. Его вступительное соло в «50 Ways to Leave Your Lover» и кода в «Aja» были записаны в дефиците времени и с одного дубля. Это можно считать не иначе как божественным провидением, так по-гэддовски высеченным из пахоты и поденщины. Сам Гэдд скромно считает, что ему просто повезло. Те, кто хотя бы раз слышал его грув в этих песнях, не забудут его никогда.
«Rock Skippin'» Джима Холла
Альбом «Concierto» — шедевр Джима Холла, жемчужина лейбла CTI и одна из вершин продюсерского гения Крида Тейлора. Состав из звезд (Джим Холл, Чет Бейкер, Пол Дезмонд, Рон Картер, Роланд Ханна) и одновременно состав-звезда. Но именно Гэдд здесь — та самая ось, вокруг которой вращается эта блистательная музыка. Его «время» безошибочно, акценты — безупречны. В эллингтоновской «Rock Skippin'» умение Гэдда слушать музыку, в нужные моменты оставаться в тени и при этом насыщать пространство своим фирменным четвертным грувом, проявляется едва ли не лучше всего.
«Maputo» Дэвида Сэнборна и Боба Джеймса
Гэдд много работал с Сэнборном и Джеймсом по отдельности, записав с каждым по дюжине альбомов. Но именно на совместной пластинке «Double Vision» на пару с басистом Маркусом Миллером ему удался лучший грув смус-джаза всех времен и народов.
«Quartet 1» Чика Кориа
Гэдда принято ассоциировать с фьюжном, фанком и сессионной работой с поп-артистами, но нельзя забывать, что он и выдающийся постбоповый барабанщик. Альбом «Three Quartets», записанный Чиком Кориа в начале 80-х, стал подарком поклонникам джаза в период, когда акустический джаз находился в упадке. В первой композиции, построенной вокруг простого и цепкого вэмпа, Гэдд не только качает грув, но и искусно орнаментирует звучание.
«Foots» Stuff
Stuff — сессионная супергруппа во главе с гитаристом Эриком Гейлом, которую недооценивали критики. Считалось, что музыканты способны на большее, чем просто развлекательная музыка для всех и каждого. Сейчас, переслушивая альбомы Stuff, к группе есть только одна претензия: почему альбомов так мало? Редко кому из инструменталистов удавалось создавать композиции, столь безупречные по форме и содержанию. «Foots», первый номер одноименного альбома группы, помимо прочего, наглядно демонстрирует, что такое настоящий грув in the pocket.
Отдельное упоминание: двухчасовой концертный альбом группы Steps «Smokin' in the Pit».
Александр Аношин
07.04.202508:45
Сегодня 110 лет со дня рождения Билли Холидей. По этому поводу «Джазист» публикует перевод фрагмента из большого эссе британского критика Йена Пенмана — о записях Холидей с оркестром Тедди Уилсона, о ее голосе, исполнительской мощи и жизнерадостности.
«С 2 июля 1935 года по 10 февраля 1942 года Билли Холидей, выступая в сопровождении Тедди Уилсона и его ансамбля, записала двадцать одну песню. Из них как минимум семнадцать — совершенно незаменимые, краеугольные камни современной популярной музыки. Именно с них началось мое знакомство с Холидей.
Сначала меня привлекла ее темная сторона — "Gloomy Sunday", "I Cover the Waterfront", "Solitude", — но вскоре передо мной открылись и другие миры. Если где-то и существуют более заразительные, воздушные мелодии, чем "Them There Eyes" или "Me, Myself and I", то мне о них ничего не известно.
Типичный темп дуэта Холидей и Уилсона — это не полноценный свинг и неоткровенный блюз, а нечто между: умеренное, размеренное движение, сплав джазовой изобретательности и легкого, ослепительного блеска. Даже в грустных песнях что-то сияет. В начале моего увлечения Холидей был момент, когда я снова и снова читал о несчастной Билли, возвращался к ее ранним записям с Уилсоном и думал: подождите-ка, да это же невероятно жизнерадостная музыка!
Кажется, ее мрачный имидж слишком раздут — возможно, из-за привычки критиков романтизировать мрачную сторону модернистской культуры. Большая часть ее творчества — это не страдание, а оживленность, легкость, кокетство. Это песни не о безысходной боли, а о пробуждающемся желании.
Даже в самых печальных композициях звучит что-то вроде последней, едва уловимой надежды. В ее версии "Gloomy Sunday" есть один из самых возвышенных моментов в истории популярной музыки, когда она поет: "I wake and I find you asleep / in the deep of my heart, dear" ("Просыпаюсь, а ты еще спишь / В глубине моего сердца, дорогая").
Трудно передать, как именно она произносит эту фразу — ее нарастающее интонирование, воздушность. Это звучит примерно так: "I wake and I find youasleep in the deep of my h e a r t" — как медленный подъем по ступеням от сна к бодрствованию. А заключительное "dear" — как длинная, накатывающая волна. А строчка "Little white flowers will never awaken you" ("Маленькие белые цветы никогда тебя не разбудят" (до сих пор кажется мне одной из самых странных в известных песнях — уместной скорее на надгробии, чем в эфемерных лирических стихах.
Когда я впервые влюбился в эту погребальную балладу, решил, что "маленькие белые цветы" — это похоронный букет. Но подходят ли для похорон такие цветочки? И, кстати, здесь сложно не вспомнить большие белые цветы, которые Холидей часто вплетала в волосы.
Что делает ее исполнение столь неподражаемым? Фирменный тембр — чарующе неопределенный: новый, до того не ощущавшийся в музыке тип наслаждения, в котором сочетаются дистанция и интимность. В этой туманной расплывчатости, возможно, кроется негласное политическое высказывание — иная форма сопротивления.
Всё то пространство, всю легкость и свободу, которые были отняты у Холидей в жизни из-за цвета кожи, она обретает в песне — как мечту о покое, движении, размышлении, об утопическом, воздушном пространстве без границ. Это не стоицизм блюза и не всеобъемлющая сила госпела. Ее песни скорее об утешении, игривости, беззаботности. И еще о чем-то, чему трудно подобрать имя. Тому, что противоположно тревоге».
«С 2 июля 1935 года по 10 февраля 1942 года Билли Холидей, выступая в сопровождении Тедди Уилсона и его ансамбля, записала двадцать одну песню. Из них как минимум семнадцать — совершенно незаменимые, краеугольные камни современной популярной музыки. Именно с них началось мое знакомство с Холидей.
Сначала меня привлекла ее темная сторона — "Gloomy Sunday", "I Cover the Waterfront", "Solitude", — но вскоре передо мной открылись и другие миры. Если где-то и существуют более заразительные, воздушные мелодии, чем "Them There Eyes" или "Me, Myself and I", то мне о них ничего не известно.
Типичный темп дуэта Холидей и Уилсона — это не полноценный свинг и неоткровенный блюз, а нечто между: умеренное, размеренное движение, сплав джазовой изобретательности и легкого, ослепительного блеска. Даже в грустных песнях что-то сияет. В начале моего увлечения Холидей был момент, когда я снова и снова читал о несчастной Билли, возвращался к ее ранним записям с Уилсоном и думал: подождите-ка, да это же невероятно жизнерадостная музыка!
Кажется, ее мрачный имидж слишком раздут — возможно, из-за привычки критиков романтизировать мрачную сторону модернистской культуры. Большая часть ее творчества — это не страдание, а оживленность, легкость, кокетство. Это песни не о безысходной боли, а о пробуждающемся желании.
Даже в самых печальных композициях звучит что-то вроде последней, едва уловимой надежды. В ее версии "Gloomy Sunday" есть один из самых возвышенных моментов в истории популярной музыки, когда она поет: "I wake and I find you asleep / in the deep of my heart, dear" ("Просыпаюсь, а ты еще спишь / В глубине моего сердца, дорогая").
Трудно передать, как именно она произносит эту фразу — ее нарастающее интонирование, воздушность. Это звучит примерно так: "I wake and I find youasleep in the deep of my h e a r t" — как медленный подъем по ступеням от сна к бодрствованию. А заключительное "dear" — как длинная, накатывающая волна. А строчка "Little white flowers will never awaken you" ("Маленькие белые цветы никогда тебя не разбудят" (до сих пор кажется мне одной из самых странных в известных песнях — уместной скорее на надгробии, чем в эфемерных лирических стихах.
Когда я впервые влюбился в эту погребальную балладу, решил, что "маленькие белые цветы" — это похоронный букет. Но подходят ли для похорон такие цветочки? И, кстати, здесь сложно не вспомнить большие белые цветы, которые Холидей часто вплетала в волосы.
Что делает ее исполнение столь неподражаемым? Фирменный тембр — чарующе неопределенный: новый, до того не ощущавшийся в музыке тип наслаждения, в котором сочетаются дистанция и интимность. В этой туманной расплывчатости, возможно, кроется негласное политическое высказывание — иная форма сопротивления.
Всё то пространство, всю легкость и свободу, которые были отняты у Холидей в жизни из-за цвета кожи, она обретает в песне — как мечту о покое, движении, размышлении, об утопическом, воздушном пространстве без границ. Это не стоицизм блюза и не всеобъемлющая сила госпела. Ее песни скорее об утешении, игривости, беззаботности. И еще о чем-то, чему трудно подобрать имя. Тому, что противоположно тревоге».
04.04.202509:00
Джазист: видеотека
1983 год. Херби Хэнкок и Куинси Джонс с неподдельным энтузиазмом играют с настройками цифрового синтезатора Fairlight CMI и устраивают небольшой спонтанный джем. Полностью этот фрагмент, вошедший в документальный фильм «I Love Quincy», можно посмотреть на YouTube.
1983 год. Херби Хэнкок и Куинси Джонс с неподдельным энтузиазмом играют с настройками цифрового синтезатора Fairlight CMI и устраивают небольшой спонтанный джем. Полностью этот фрагмент, вошедший в документальный фильм «I Love Quincy», можно посмотреть на YouTube.
31.03.202508:30
💿 Claire Martin «Almost in Your Arms» (Stunt Records, 2024)
📝****
Наш автор Леонид Аускерн считает Клэр Мартин самой выдающейся британской певицей традиционного (в широком смысле этого слова) джаза и констатирует, что она ничуть не снижает творческой активности в своей карьере, начатой почти сорок лет назад.
Ее новый альбом «Almost in Your Arms» показывает, что годы ничуть не повлияли на характеристики отменного вокала певицы —высочайшую технику, тонкое интонирование, отточенную фразировку, глубокое погружение не только в музыкальную, но и в лирическую ткань каждой композиции.
Вдобавок к этому волшебство таланта Клэр превращает в полнокровный джаз вещи, достаточно от него далекие. Композицию «This One’s from the Heart», которую Том Уэйтс написал для одного из фильмов Фрэнсиса Форда Копполы, Мартин поет вместе с американским гостем, певцом Чарли Вудом, и джазовая прописка этой версии сомнений не вызывает. Клэр изящно меняет и блюзовое настроение композиции Кэрол Кинг «Bitter with the Sweet». Очень убедительна и ее версия песни Берта Бакарака и Элвиса Костелло «This House Is Empty Now».
Полную рецензию Леонида Аускерна читайте на сайте «Джазиста».
📝****
Наш автор Леонид Аускерн считает Клэр Мартин самой выдающейся британской певицей традиционного (в широком смысле этого слова) джаза и констатирует, что она ничуть не снижает творческой активности в своей карьере, начатой почти сорок лет назад.
Ее новый альбом «Almost in Your Arms» показывает, что годы ничуть не повлияли на характеристики отменного вокала певицы —высочайшую технику, тонкое интонирование, отточенную фразировку, глубокое погружение не только в музыкальную, но и в лирическую ткань каждой композиции.
Вдобавок к этому волшебство таланта Клэр превращает в полнокровный джаз вещи, достаточно от него далекие. Композицию «This One’s from the Heart», которую Том Уэйтс написал для одного из фильмов Фрэнсиса Форда Копполы, Мартин поет вместе с американским гостем, певцом Чарли Вудом, и джазовая прописка этой версии сомнений не вызывает. Клэр изящно меняет и блюзовое настроение композиции Кэрол Кинг «Bitter with the Sweet». Очень убедительна и ее версия песни Берта Бакарака и Элвиса Костелло «This House Is Empty Now».
Полную рецензию Леонида Аускерна читайте на сайте «Джазиста».
25.03.202517:44
💿 St. Petersburg Improvisers Orchestra «Session Lxxx» (Artes Mirabiles, 2025)
📝****
Санкт-Петербургский оркестр импровизации — первый в России проект такого рода, созданный на базе Галереи Экспериментального Звука (ныне — Музей Звука) и объединяющий музыкантов-импровизаторов разных поколений. Уже более десяти лет оркестр собирается на концертные сессии, каждая из которых получает свой порядковый номер. На втором альбоме коллектива запечатлена восьмидесятая сессия, которая состоялась в 2018 году в зале Яани Кирик.
Оркестр в тот раз состоял из инструментальной, электронной и вокальных групп (в общей сложности почти три десятка музыкантов), которыми поочередно дирижировали Дмитрий Шубин, Марк Коммери Николай Рубанов. От такого оркестра можно ожидать громкого и шумного материала, но на деле оказывается нечто противоположное: порой запись балансирует на грани слышимости, и даже в самых интенсивных моментах музыка остается тихой и вдумчивой.
Вам не раз придется напрягать слух, различая тонкие звуковые нюансы, — вероятно, на характер материала значительно повлияла церковная обстановка и акустика. Слушать эту работу стоит либо в наушниках, либо на большой саунд-системе. Чуткие уши найдут в ней немало приятных моментов.
Леонид Кравченко
Слушать альбом
📝****
Санкт-Петербургский оркестр импровизации — первый в России проект такого рода, созданный на базе Галереи Экспериментального Звука (ныне — Музей Звука) и объединяющий музыкантов-импровизаторов разных поколений. Уже более десяти лет оркестр собирается на концертные сессии, каждая из которых получает свой порядковый номер. На втором альбоме коллектива запечатлена восьмидесятая сессия, которая состоялась в 2018 году в зале Яани Кирик.
Оркестр в тот раз состоял из инструментальной, электронной и вокальных групп (в общей сложности почти три десятка музыкантов), которыми поочередно дирижировали Дмитрий Шубин, Марк Коммери Николай Рубанов. От такого оркестра можно ожидать громкого и шумного материала, но на деле оказывается нечто противоположное: порой запись балансирует на грани слышимости, и даже в самых интенсивных моментах музыка остается тихой и вдумчивой.
Вам не раз придется напрягать слух, различая тонкие звуковые нюансы, — вероятно, на характер материала значительно повлияла церковная обстановка и акустика. Слушать эту работу стоит либо в наушниках, либо на большой саунд-системе. Чуткие уши найдут в ней немало приятных моментов.
Леонид Кравченко
Слушать альбом
12.04.202513:15
Херби Хэнкоку — 85
Сегодня, в День космонавтики, свое 85-летие отмечает великий Херби Хэнкок. По случаю предлагаем ещё раз изучить гид по главным альбомам великого музыканта, который специально для «Джазиста» подготовил Олег Соболев.
Херби Хэнкок — одна из ключевых фигур в истории джаза. Уроженец южной стороны Чикаго (традиционно бедной и криминальной части этого города), он еще в детстве прославился на локальном уровне как вундеркинд классического фортепиано.
В одиннадцать лет маленький Херби исполнил один из фортепианных концертов Моцарта в сопровождении Чикагского симфонического оркестра. А к своим двадцати годам Хэнкок приобрел репутацию мощного молодого джазового пианиста, влившись в состав группы Дональда Бёрда.
Уже первая опубликованная авторская композиция Хэнкока, «Watermelon Man», стала хитом, забравшись в версии кубинского музыканта Монго Сантамарии на десятое место синглового чарта Billboard в начале 1963 года. Дальше последовала работа в знаменитом квинтете Майлза Дэвиса 60-х годов, в составе которого Хэнкок записал ряд пластинок, общепризнанно повлиявших на развитие джаза. Все 60-е и 70-е работа в качестве сайдмена вообще была очень важной для пианиста: его фамилию можно найти в буклетах множества альбомов самых разных исполнителей, от Джорджа Бенсона и Стэна Гетца до Милтона Насименту и Джони Митчелл.
Тем не менее по-настоящему прославила Хэнкока его работа в качестве бэндлидера и композитора. Он начал с серии инновационных постбоповых альбомов в 60-х, а к концу десятилетия отбросил лиричность и задумчивость, ставшие на тот момент визитными карточками его музыки, и принялся развивать музыку на стыке джаза, фанка и рока.
Другим прорывом стало использование синтезаторов Хэнкоком и музыкантами его группы. Кульминацией этого творческого периода музыканта стал альбом «Head Hunters», продавшийся многомиллионным тиражом и впоследствии ставший источником сэмплов для многих артистов, работающих вне джазовой музыки.
Как талантливый пианист стал титаном американского джаза? Как менялась его музыка на этом пути? Давайте разбираться и слушать.
Часть I | Часть II
Сегодня, в День космонавтики, свое 85-летие отмечает великий Херби Хэнкок. По случаю предлагаем ещё раз изучить гид по главным альбомам великого музыканта, который специально для «Джазиста» подготовил Олег Соболев.
Херби Хэнкок — одна из ключевых фигур в истории джаза. Уроженец южной стороны Чикаго (традиционно бедной и криминальной части этого города), он еще в детстве прославился на локальном уровне как вундеркинд классического фортепиано.
В одиннадцать лет маленький Херби исполнил один из фортепианных концертов Моцарта в сопровождении Чикагского симфонического оркестра. А к своим двадцати годам Хэнкок приобрел репутацию мощного молодого джазового пианиста, влившись в состав группы Дональда Бёрда.
Уже первая опубликованная авторская композиция Хэнкока, «Watermelon Man», стала хитом, забравшись в версии кубинского музыканта Монго Сантамарии на десятое место синглового чарта Billboard в начале 1963 года. Дальше последовала работа в знаменитом квинтете Майлза Дэвиса 60-х годов, в составе которого Хэнкок записал ряд пластинок, общепризнанно повлиявших на развитие джаза. Все 60-е и 70-е работа в качестве сайдмена вообще была очень важной для пианиста: его фамилию можно найти в буклетах множества альбомов самых разных исполнителей, от Джорджа Бенсона и Стэна Гетца до Милтона Насименту и Джони Митчелл.
Тем не менее по-настоящему прославила Хэнкока его работа в качестве бэндлидера и композитора. Он начал с серии инновационных постбоповых альбомов в 60-х, а к концу десятилетия отбросил лиричность и задумчивость, ставшие на тот момент визитными карточками его музыки, и принялся развивать музыку на стыке джаза, фанка и рока.
Другим прорывом стало использование синтезаторов Хэнкоком и музыкантами его группы. Кульминацией этого творческого периода музыканта стал альбом «Head Hunters», продавшийся многомиллионным тиражом и впоследствии ставший источником сэмплов для многих артистов, работающих вне джазовой музыки.
Как талантливый пианист стал титаном американского джаза? Как менялась его музыка на этом пути? Давайте разбираться и слушать.
Часть I | Часть II
09.04.202509:48
💿 Anthony Joseph «Rowing Up River to Get Our Names Back» (Heavenly Sweetness, 2025)
📝**** 1/2
Новый релиз поэта, писателя и музыканта Энтони Джозефа — двойной альбом, который отсылает к роману самого Джозефа «The African Origins of UFOs», экспериментальной афрофутуристической метапрозе на стыке научной фантастики и современного мифотворчества. По мнению Ильи Рассказова, новая работа подтверждает статус Энтони Джозефа как одного из лучших англоязычных джазовых поэтов наших дней, а ведь это только первая часть двойного альбома.
Предыдущий альбом Джозефа «The Rich AreOnly Defeated When Running for Their Lives» вышел четыре года назад и был гораздо более джазовой, а для новой записи он искал вдохновения в другом, более эклектичном звучании. Место утонченного спиричуэла и размеренного постбопа заняли электронные эффекты, хоповый бит, разнузданный афро-госпел, «грязный» гитарный саунд и много чего еще.
Целиком рецензию Ильи Рассказова читайте на нашем сайте.
📝**** 1/2
Новый релиз поэта, писателя и музыканта Энтони Джозефа — двойной альбом, который отсылает к роману самого Джозефа «The African Origins of UFOs», экспериментальной афрофутуристической метапрозе на стыке научной фантастики и современного мифотворчества. По мнению Ильи Рассказова, новая работа подтверждает статус Энтони Джозефа как одного из лучших англоязычных джазовых поэтов наших дней, а ведь это только первая часть двойного альбома.
Предыдущий альбом Джозефа «The Rich AreOnly Defeated When Running for Their Lives» вышел четыре года назад и был гораздо более джазовой, а для новой записи он искал вдохновения в другом, более эклектичном звучании. Место утонченного спиричуэла и размеренного постбопа заняли электронные эффекты, хоповый бит, разнузданный афро-госпел, «грязный» гитарный саунд и много чего еще.
Целиком рецензию Ильи Рассказова читайте на нашем сайте.
06.04.202508:52
Джазист: короткой строкой
Премьеры композиций, анонсы новых релизов и другие новости — в рубрике «Короткой строкой».
Новый сингл Tortoise
Маститая группа Tortoise впервые за девять лет выпустила новый сингл — композицию «Oganesson». В скором времени стоит ожидать альбом, который совместными усилиями выпустят лейблы Nonesuch и International Anthem. Композиция «Oganesson», с одной стороны, звучит как старый-добрый Tortoise, а с другой стороны, невозможно не почувствовать хипстерский флер нового чикагского джаза. Поэтому, ознакомившись с «Oganesson», стоит переслушать великий альбом 1998 года «TNT».
Новый альбом Сайруса Честната
У пианиста Сайруса Честната, которого смело можно причислить к поколению «молодых львов», в конце апреля выходит альбом с незамысловатым названием «Rhythm, Melody and Harmony». Первый сингл — вечная классика «Autumn Leaves». Несмотря на то, что Честнату удается избежать явных клише, сам выбор композиции всё же кажется больше конъюнктурным расчетом, нежели душевным порывом.
Кэндес Спрингс записала трибьют Билли Холидей
В понедельник будет отмечаться 110-летие со дня рождения Билли Холидей. По этому случаю певица Кэндес Спрингс записала трибьют великому альбому Холидей «Lady in Satin» с полной репликой обложки и оркестром из шестидесяти человек. Пока можно послушать сингл «I’m a Fool to Want You». Впечатления противоречивые: с профессионализмом, конечно, не поспоришь, а с музейностью, наоборот, случился перебор.
Премьеры композиций, анонсы новых релизов и другие новости — в рубрике «Короткой строкой».
Новый сингл Tortoise
Маститая группа Tortoise впервые за девять лет выпустила новый сингл — композицию «Oganesson». В скором времени стоит ожидать альбом, который совместными усилиями выпустят лейблы Nonesuch и International Anthem. Композиция «Oganesson», с одной стороны, звучит как старый-добрый Tortoise, а с другой стороны, невозможно не почувствовать хипстерский флер нового чикагского джаза. Поэтому, ознакомившись с «Oganesson», стоит переслушать великий альбом 1998 года «TNT».
Новый альбом Сайруса Честната
У пианиста Сайруса Честната, которого смело можно причислить к поколению «молодых львов», в конце апреля выходит альбом с незамысловатым названием «Rhythm, Melody and Harmony». Первый сингл — вечная классика «Autumn Leaves». Несмотря на то, что Честнату удается избежать явных клише, сам выбор композиции всё же кажется больше конъюнктурным расчетом, нежели душевным порывом.
Кэндес Спрингс записала трибьют Билли Холидей
В понедельник будет отмечаться 110-летие со дня рождения Билли Холидей. По этому случаю певица Кэндес Спрингс записала трибьют великому альбому Холидей «Lady in Satin» с полной репликой обложки и оркестром из шестидесяти человек. Пока можно послушать сингл «I’m a Fool to Want You». Впечатления противоречивые: с профессионализмом, конечно, не поспоришь, а с музейностью, наоборот, случился перебор.
03.04.202512:08
💬 Сегодня в «Цитатнике Джазиста» гитарист Чарли Баллантайн размышляет о поиске вдохновения для написания песен:
Я как-то разговаривал с джазовым барабанщиком Дэвидом Кингом, когда мы были в туре, и на улице было паршиво. Шел дождь, и вид вокруг был ужасно тоскливым. Я сказал ему: "Ненавижу такие дни", а он ответил: "Это лучшие дни, чувак. Ты не можешь вдохновиться и сделать что-то значительное, когда на улице +30 и солнечно. Настоящее вдохновение приходит во время ненастья"».
Из интервью порталу American Songwriter, 2024 год
«В какой-то момент я начал думать о себе больше как о сонграйтере, чем гитаристе, и написание песен стало важной частью моей повседневной жизни. Иногда [песни] приходят, иногда нет, но я стараюсь сознательно держать этот канал открытым. Когда я сажусь заниматься и у меня появляется идея, я пытаюсь опереться на нее и сформировать ее до конца. Это может произойти, когда ты просыпаешься. Это может быть во время обеда или среди ночи. Это странная штука, и я понимаю, что должен с ней справиться, иначе она исчезнет бесследно. Иногда лучшее приходит, когда чувствуешь себя хуже всего.
Я как-то разговаривал с джазовым барабанщиком Дэвидом Кингом, когда мы были в туре, и на улице было паршиво. Шел дождь, и вид вокруг был ужасно тоскливым. Я сказал ему: "Ненавижу такие дни", а он ответил: "Это лучшие дни, чувак. Ты не можешь вдохновиться и сделать что-то значительное, когда на улице +30 и солнечно. Настоящее вдохновение приходит во время ненастья"».
Из интервью порталу American Songwriter, 2024 год
28.03.202509:54
💿 Cymande «Renascence» (BMG, 2025)
📝***
Послушав новый альбом группы Cymande, наш автор Илья Рассказов не нашел в нем ни сюрпризов, ни откровений.
Открывающая альбом композиция «Chasing an Empty Dream» — вполне актуальный афрофанк, хотя партия струнных кажется здесь инородным телом. Лучшим и самым джазовым номером оказывается «Coltrane» — полное первоклассного грува посвящение Джону Колтрейну. Вполне убедительны обе композиции с гостевым вокалом — идеальная поп-баллада «Only One Way» с участием молодой британской соул-дивы Селест и грувовая пьеса «How We Roll», украшенная афро-речитативом от легенды британского хип-хопа Jazzie B, основателя Soul II Soul. Удачей можно считать и «Sweeden» — инструментальный фанковый позитив с отменным саксофонным соло.
В остальном же альбом ценен тем, что он может отправить нас слушать (или переслушивать) три пластинки, которые группа выпустила еще в 70-е и за которые ей можно простить даже творческие неудачи.
Полную рецензию Ильи Рассказова читайте на нашем сайте.
Слушать альбом
📝***
Послушав новый альбом группы Cymande, наш автор Илья Рассказов не нашел в нем ни сюрпризов, ни откровений.
Открывающая альбом композиция «Chasing an Empty Dream» — вполне актуальный афрофанк, хотя партия струнных кажется здесь инородным телом. Лучшим и самым джазовым номером оказывается «Coltrane» — полное первоклассного грува посвящение Джону Колтрейну. Вполне убедительны обе композиции с гостевым вокалом — идеальная поп-баллада «Only One Way» с участием молодой британской соул-дивы Селест и грувовая пьеса «How We Roll», украшенная афро-речитативом от легенды британского хип-хопа Jazzie B, основателя Soul II Soul. Удачей можно считать и «Sweeden» — инструментальный фанковый позитив с отменным саксофонным соло.
В остальном же альбом ценен тем, что он может отправить нас слушать (или переслушивать) три пластинки, которые группа выпустила еще в 70-е и за которые ей можно простить даже творческие неудачи.
Полную рецензию Ильи Рассказова читайте на нашем сайте.
Слушать альбом
24.03.202509:54
💿 «Бром» «Чёрная голова» (Addicted Label / Лапшичная, 2025)
📝****
Наш постоянный автор Юрий Виноградов (@classic_mechanics) делится впечатлениями от нового альбома группы «Бром». Юрий отмечает интересные и небанальные ритмы, музыкальный полет, динамику, интенсивность, запилы на саксофоне, четкие барабанные ритмы, упругие бас-гитарные партии и экзальтированную электронику.
«Бром» — опытные музыкальные экспериментаторы. Чтобы очистить свою музыку от границ и ожиданий, они называют ее no jazz —«ноу-джаз». Ее непросто описать с помощью общих понятий, если не прибегать к совсем неопределенным вроде «авангарда», «панк-джаза» и «экспериментальной музыки». Эту музыку сложно назвать и каким-то гибридом, хотя в ней есть элементы нойз-рока, мат-рока и свободной импровизации.
По мнению Юрия Виноградова, «Бром» продолжает расширять границы того, что мы называем джазовой музыкой, и если вы готовы к экспериментам, то этот альбом станет приятным и захватывающим опытом.
Подробности — на сайте «Джазиста».
Слушать альбом
📝****
Наш постоянный автор Юрий Виноградов (@classic_mechanics) делится впечатлениями от нового альбома группы «Бром». Юрий отмечает интересные и небанальные ритмы, музыкальный полет, динамику, интенсивность, запилы на саксофоне, четкие барабанные ритмы, упругие бас-гитарные партии и экзальтированную электронику.
«Бром» — опытные музыкальные экспериментаторы. Чтобы очистить свою музыку от границ и ожиданий, они называют ее no jazz —«ноу-джаз». Ее непросто описать с помощью общих понятий, если не прибегать к совсем неопределенным вроде «авангарда», «панк-джаза» и «экспериментальной музыки». Эту музыку сложно назвать и каким-то гибридом, хотя в ней есть элементы нойз-рока, мат-рока и свободной импровизации.
По мнению Юрия Виноградова, «Бром» продолжает расширять границы того, что мы называем джазовой музыкой, и если вы готовы к экспериментам, то этот альбом станет приятным и захватывающим опытом.
Подробности — на сайте «Джазиста».
Слушать альбом
11.04.202517:53
Для нового выпуска рубрики «Джазист слушает» Илья Белоруков послушал последние релизы шведского лейбла Thanatosis и выбрал те, которые считает достойными вашего внимания.
Àlex Reviriego & Tom Chant «Les herbages d'acier et d’émeraude» (2024)
Ирландский саксофонист Том Чант базируется в Барселоне. Нирокому кругу слушателей он знаком по мягкому нью-джазу в коллективе The Cinematic Orchestra, а на барселонской сцене известен в первую очередь как радикальный импровизатор, стремящийся как можно дальше зайти в поисках новых звуков инструмента. Этим же занимается контрабасист Алекс Ревириего, участник группы Phicus, играющей современный импров, и фри-джазового трио саксофониста Либы Виллавеккиа. Находясь в рамках текстурно-сонорной импровизационной музыки, Том и Алекс внимательно слушают друг друг и вместе выискивают звукосочетания. Иногда совсем не очевидно, где звучит саксофон, а где контрабас. Эти музыканты успешно доказывают, что приемы расширенных техник игры на инструментах стоит изучать и переосмысливать.
Alex Zethson & Nikos Veliotis «CRYO» (2025)
Раскатистыми рояльными аккордами с поддержкой виолончели начинается дуэт пианиста (и владельца лейбла) Алекса Зетсона и виолончелиста Никоса Велиотиса — и продолжается это около сорока минут. Звук нарочито размыт, повествование тягучее, развитие неспешное. Партии обоих инструментов то и дело сливаются в единое булькающее полотно. Никос не первый десяток лет знаком слушателям по дроуновым импровизациям, а вот услышать подобное от Алекса — сюрприз, ведь в последние годы он больше занимается новоджазовым материалом и в своих коллективах, и, например, в Fire! Orchestra. Музыка соответствует обложке: воображение рисует картинку катания на льду на пустующем ночном катке.
Christer Bothén 3 «L’INVISIBLE» (2025)
Трио легендарного шведского бас-кларнетиста Кристера Ботена играет композиционный камерный джаз, словно наследующий канонам Джимми Джуффри. Помогают 82-летнему Ботену контрабасист Кансан Зеттерберг, дающий ритмическую основу, и Чель Нордесон с загадочным звуком вибрафона и ненадолго появляющимся мощными ударными. На пластинке всего одна вещь, и она разделена на две части, внутри которые есть и более мелкая «навигация» по абстрактным мазкам, которые оставил композитор. Оставаясь в строго заданных рамках, музыка всё же постоянно лавирует из стороны в сторону, и слушателю необходимо быть готовым к не самым очевидным поворотам в игре трио.
Илья Белоруков
Àlex Reviriego & Tom Chant «Les herbages d'acier et d’émeraude» (2024)
Ирландский саксофонист Том Чант базируется в Барселоне. Нирокому кругу слушателей он знаком по мягкому нью-джазу в коллективе The Cinematic Orchestra, а на барселонской сцене известен в первую очередь как радикальный импровизатор, стремящийся как можно дальше зайти в поисках новых звуков инструмента. Этим же занимается контрабасист Алекс Ревириего, участник группы Phicus, играющей современный импров, и фри-джазового трио саксофониста Либы Виллавеккиа. Находясь в рамках текстурно-сонорной импровизационной музыки, Том и Алекс внимательно слушают друг друг и вместе выискивают звукосочетания. Иногда совсем не очевидно, где звучит саксофон, а где контрабас. Эти музыканты успешно доказывают, что приемы расширенных техник игры на инструментах стоит изучать и переосмысливать.
Alex Zethson & Nikos Veliotis «CRYO» (2025)
Раскатистыми рояльными аккордами с поддержкой виолончели начинается дуэт пианиста (и владельца лейбла) Алекса Зетсона и виолончелиста Никоса Велиотиса — и продолжается это около сорока минут. Звук нарочито размыт, повествование тягучее, развитие неспешное. Партии обоих инструментов то и дело сливаются в единое булькающее полотно. Никос не первый десяток лет знаком слушателям по дроуновым импровизациям, а вот услышать подобное от Алекса — сюрприз, ведь в последние годы он больше занимается новоджазовым материалом и в своих коллективах, и, например, в Fire! Orchestra. Музыка соответствует обложке: воображение рисует картинку катания на льду на пустующем ночном катке.
Christer Bothén 3 «L’INVISIBLE» (2025)
Трио легендарного шведского бас-кларнетиста Кристера Ботена играет композиционный камерный джаз, словно наследующий канонам Джимми Джуффри. Помогают 82-летнему Ботену контрабасист Кансан Зеттерберг, дающий ритмическую основу, и Чель Нордесон с загадочным звуком вибрафона и ненадолго появляющимся мощными ударными. На пластинке всего одна вещь, и она разделена на две части, внутри которые есть и более мелкая «навигация» по абстрактным мазкам, которые оставил композитор. Оставаясь в строго заданных рамках, музыка всё же постоянно лавирует из стороны в сторону, и слушателю необходимо быть готовым к не самым очевидным поворотам в игре трио.
Илья Белоруков
08.04.202517:00
В нашей традиционной рубрике «Джазист слушает» Леонид Кравченко рассказывает о трех авангардных альбомах, которые могут заинтересовать даже слушателя, не подготовленного к такой музыке.
Patrick Shiroishi & Piotr Kurek «Greyhound Days» (Mondoj, 2025)
Японо-американский саксофонист Патрик Широиши и польский пианист и электронщик Пётр Курек записали немало мультижанровой экспериментальной музыки, но на этом альбоме их дуэт звучит мягко, мелодично и просто уютно. Это неспешный камерный джаз с теплым звуком и обволакивающей вечерней атмосферой, в который музыканты также привносят немного эмбиентного духа. При кажущейся простоте в «Greyhound Days» есть множество увлекательных композиционных и саунд-дизайнерских деталей: интересные контрапункты, обработанные голоса, легкий синтезаторный «симфонизм». Это прекрасный образец того, как экспериментальная музыка может оставаться доступной для неподготовленного слушателя.
Teun Verbruggen, Ikue Mori, Ingrid Laubrock & Bram De Looze (aka Blind Io) «Pillars of Creation (Part 1)» (Rat Records, 2025)
Blind Io — квартет бельгийского барабанщика Теуна Вербрюггена, в который входят еще один бельгиец Брам Де Лозе (фортепиано), а также две звездные участницы — Икуэ Мори (электроника) и Ингрид Лауброк (саксофон). На первом альбоме квартета музыканты представили материал, созданный в режиме свободной импровизации. Саксофон Лауброк придает музыке мелодический компонент, ритм-секция постоянно выдает головоломные рисунки, а электроника Мори добавляет звуку остроты. Альбом получился экспрессивным и эмоционально заряженным, но в экстремальный импров он всё же не ушел. Одни вещи тяготеют к фри-джазу, в других музыканты работают с текстурами на грани шумового эмбиента, но во всех случаях им удается эффектно взаимодействовать. Интеллектуальность этой музыки здорово сочетается с живым драйвом.
Bruno Trchmnn + Morgane Carnet «MUITOS PÁSSAROS» (scatterArchive, 2025)
Бразильский исследователь звука Бруно Трошманн (Trchmnn) и французская саксофонистка Морган Карне вживую записали этот материал в здании бывшей железнодорожной станции в Сан-Паулу. Бруно играет на рабеке (португальской скрипке) в найденном им нестандартном строе: издаваемые ею звуки напоминают дисторшированную электрогитару. Музыкант создает шумовые текстуры, на фоне которых развиваются чистозвучные и местами мелодичные саксофонные линии Морган. Сочетание получается интересным: музыка балансирует между околонойзовой и околоджазовой областями. Бруно и Морган выстраивают интересную драматургию, плавно перемещаясь между шумно-интенсивными и разреженно-медитативными фрагментами. Классный импров с необычными звукосочетаниями.
Леонид Кравченко
Patrick Shiroishi & Piotr Kurek «Greyhound Days» (Mondoj, 2025)
Японо-американский саксофонист Патрик Широиши и польский пианист и электронщик Пётр Курек записали немало мультижанровой экспериментальной музыки, но на этом альбоме их дуэт звучит мягко, мелодично и просто уютно. Это неспешный камерный джаз с теплым звуком и обволакивающей вечерней атмосферой, в который музыканты также привносят немного эмбиентного духа. При кажущейся простоте в «Greyhound Days» есть множество увлекательных композиционных и саунд-дизайнерских деталей: интересные контрапункты, обработанные голоса, легкий синтезаторный «симфонизм». Это прекрасный образец того, как экспериментальная музыка может оставаться доступной для неподготовленного слушателя.
Teun Verbruggen, Ikue Mori, Ingrid Laubrock & Bram De Looze (aka Blind Io) «Pillars of Creation (Part 1)» (Rat Records, 2025)
Blind Io — квартет бельгийского барабанщика Теуна Вербрюггена, в который входят еще один бельгиец Брам Де Лозе (фортепиано), а также две звездные участницы — Икуэ Мори (электроника) и Ингрид Лауброк (саксофон). На первом альбоме квартета музыканты представили материал, созданный в режиме свободной импровизации. Саксофон Лауброк придает музыке мелодический компонент, ритм-секция постоянно выдает головоломные рисунки, а электроника Мори добавляет звуку остроты. Альбом получился экспрессивным и эмоционально заряженным, но в экстремальный импров он всё же не ушел. Одни вещи тяготеют к фри-джазу, в других музыканты работают с текстурами на грани шумового эмбиента, но во всех случаях им удается эффектно взаимодействовать. Интеллектуальность этой музыки здорово сочетается с живым драйвом.
Bruno Trchmnn + Morgane Carnet «MUITOS PÁSSAROS» (scatterArchive, 2025)
Бразильский исследователь звука Бруно Трошманн (Trchmnn) и французская саксофонистка Морган Карне вживую записали этот материал в здании бывшей железнодорожной станции в Сан-Паулу. Бруно играет на рабеке (португальской скрипке) в найденном им нестандартном строе: издаваемые ею звуки напоминают дисторшированную электрогитару. Музыкант создает шумовые текстуры, на фоне которых развиваются чистозвучные и местами мелодичные саксофонные линии Морган. Сочетание получается интересным: музыка балансирует между околонойзовой и околоджазовой областями. Бруно и Морган выстраивают интересную драматургию, плавно перемещаясь между шумно-интенсивными и разреженно-медитативными фрагментами. Классный импров с необычными звукосочетаниями.
Леонид Кравченко
04.04.202514:21
Выдающийся музыкант, уникальный композитор, яркий бэндлидер
Поздравляем Анну Королеву с днем рождения! Для «Джазиста» возможность выпускать Анину музыку — радость и честь. Каждый из альбомов — акустический «Antigravity», фьюжновый «Over the Mountains» или барочный «Timeless» — для нас особенный.
Королева способна преодолеть границы любого устоявшегося жанра. Стилистическая канва для Анны — лишь штрихпунктиром очерченная территория событий. В то же самое время трудно найти музыканта более требовательного и последовательного.
Каждый раз Королева говорит о том, что ее волнует, не прячась за искусно созданную музыкальную оболочку. Она не делает музыку, а живет ею и не приемлет соглашательскую позицию. Анина способность придумывать и воплощать в жизнь всё новые и новые проекты феноменальна. Угнаться за ней невозможно. Королева удивляет каждый раз и, мы уверены, будет продолжать делать это снова и снова.
Свой день рождения Аня отметит на сцене родного Клуба Алексея Козлова. Мы же рекомендуем переслушать каждый из Аниных альбомов, подписаться на ее Телеграм-канал и посмотреть маленький, но выдающийся фрагмент одного из живых выступлений трио Анны Королевой.
Поздравляем Анну Королеву с днем рождения! Для «Джазиста» возможность выпускать Анину музыку — радость и честь. Каждый из альбомов — акустический «Antigravity», фьюжновый «Over the Mountains» или барочный «Timeless» — для нас особенный.
Королева способна преодолеть границы любого устоявшегося жанра. Стилистическая канва для Анны — лишь штрихпунктиром очерченная территория событий. В то же самое время трудно найти музыканта более требовательного и последовательного.
Каждый раз Королева говорит о том, что ее волнует, не прячась за искусно созданную музыкальную оболочку. Она не делает музыку, а живет ею и не приемлет соглашательскую позицию. Анина способность придумывать и воплощать в жизнь всё новые и новые проекты феноменальна. Угнаться за ней невозможно. Королева удивляет каждый раз и, мы уверены, будет продолжать делать это снова и снова.
Свой день рождения Аня отметит на сцене родного Клуба Алексея Козлова. Мы же рекомендуем переслушать каждый из Аниных альбомов, подписаться на ее Телеграм-канал и посмотреть маленький, но выдающийся фрагмент одного из живых выступлений трио Анны Королевой.
02.04.202515:58
В рубрике «Джазист слушает» Александр Аношин делится впечатлениями от трех альбомов, вышедших в начале этого года.
Billy Mohler «The Eternal» (Contagious Music)
Выпускник Бёркли и Института джаза им. Телониуса Монка, бывший басист поп-гранжевой группы The Calling (олды наверняка помнят хит «Wherever You Will Go») выпустил четвёртый за шесть лет альбом акустического джаза «The Eternal». Материал пластинки собран из восьми авторских композиций и четырех сольных зарисовок Молера на контрабасе. После прослушивания «The Eternal» первым на ум приходит слово «крепкий»: Молер берет не ловкостью рук, а музыкальным кругозором и сонграйтерским мышлением. Он умеет сочинить цепкий мотив, придумать крепкий рифф и создать надежный фундамент для развития мелодических линий. Каждый из участников квартета тоже при деле: звездный гитарист Джефф Паркер создает вязкий гармонический контекст с емкими и легко узнаваемыми фразами, барабанщик Дэмион Рид отвечает за ритмический рисунок, саксофонист Девин Дэниелс уверенно и свободно развивает мелодии. Пусть «The Eternal» и не дарит откровений, но звучит на редкость цельно — без музыкантского пижонства и попыток прорваться в вечность, зато со знанием дела.
Kasan Belgrave «Dual Citizen» (Tribe)
«Dual Citizen» — это зажигательный свинг, упругие грувы, ритм-энд-блюзовый кач и яркие инструментальные схватки. Настоящий hot jazz по-детройтски. Тем более что лидер состава — 25-летний саксофонист Касан Белгрейв, сын легендарного детройтского трубача Маркуса Белгрейва, воспетого критиком Марком Страйкером в книге «Jazz From Detroit». В составе исключительно талантливая местная молодежь, сплошь выпускники Мичиганского университета. Белгрейв сотоварищи не воспроизводит традицию, а ищут в ней источники для вдохновения. «Dual Citizen» напоминает, что тот самый джаз до сих может быть музыкой большого города даже без дополнительных надстроек. Jazz not dead.
Larry Goldings «I Will» (Sam First Records)
«I Will» — запись живого выступления акустического трио многоопытного пианиста и органиста Ларри Голдингза в маленьком лос-анджелесском клубе Sam First. Кажется, Голдингс выпустил пластинку, что называется, для своих или вовсе для себя самого. Возможно, как раз поэтому «I Will» невозможно найти на стримингах. Сама музыка тоже оставляет ощущение доверительной беседы со свободой в отношении времени и подчас спонтанными решениями. Трио постоянно действует на полутонах, избегая устоявшихся клише и скрывая смысл в исполнительских нюансах. Местами «I Will» звучит по-монковски угловато, местами — абстрактно а-ля ECM, но так и остается вещью в себе. Этот альбом хочется переслушивать раз за разом потому, что его не возможно понять до конца. Вот уж воистину: будь загадочнее, и тогда к тебе обязательно потянутся.
Александр Аношин
Billy Mohler «The Eternal» (Contagious Music)
Выпускник Бёркли и Института джаза им. Телониуса Монка, бывший басист поп-гранжевой группы The Calling (олды наверняка помнят хит «Wherever You Will Go») выпустил четвёртый за шесть лет альбом акустического джаза «The Eternal». Материал пластинки собран из восьми авторских композиций и четырех сольных зарисовок Молера на контрабасе. После прослушивания «The Eternal» первым на ум приходит слово «крепкий»: Молер берет не ловкостью рук, а музыкальным кругозором и сонграйтерским мышлением. Он умеет сочинить цепкий мотив, придумать крепкий рифф и создать надежный фундамент для развития мелодических линий. Каждый из участников квартета тоже при деле: звездный гитарист Джефф Паркер создает вязкий гармонический контекст с емкими и легко узнаваемыми фразами, барабанщик Дэмион Рид отвечает за ритмический рисунок, саксофонист Девин Дэниелс уверенно и свободно развивает мелодии. Пусть «The Eternal» и не дарит откровений, но звучит на редкость цельно — без музыкантского пижонства и попыток прорваться в вечность, зато со знанием дела.
Kasan Belgrave «Dual Citizen» (Tribe)
«Dual Citizen» — это зажигательный свинг, упругие грувы, ритм-энд-блюзовый кач и яркие инструментальные схватки. Настоящий hot jazz по-детройтски. Тем более что лидер состава — 25-летний саксофонист Касан Белгрейв, сын легендарного детройтского трубача Маркуса Белгрейва, воспетого критиком Марком Страйкером в книге «Jazz From Detroit». В составе исключительно талантливая местная молодежь, сплошь выпускники Мичиганского университета. Белгрейв сотоварищи не воспроизводит традицию, а ищут в ней источники для вдохновения. «Dual Citizen» напоминает, что тот самый джаз до сих может быть музыкой большого города даже без дополнительных надстроек. Jazz not dead.
Larry Goldings «I Will» (Sam First Records)
«I Will» — запись живого выступления акустического трио многоопытного пианиста и органиста Ларри Голдингза в маленьком лос-анджелесском клубе Sam First. Кажется, Голдингс выпустил пластинку, что называется, для своих или вовсе для себя самого. Возможно, как раз поэтому «I Will» невозможно найти на стримингах. Сама музыка тоже оставляет ощущение доверительной беседы со свободой в отношении времени и подчас спонтанными решениями. Трио постоянно действует на полутонах, избегая устоявшихся клише и скрывая смысл в исполнительских нюансах. Местами «I Will» звучит по-монковски угловато, местами — абстрактно а-ля ECM, но так и остается вещью в себе. Этот альбом хочется переслушивать раз за разом потому, что его не возможно понять до конца. Вот уж воистину: будь загадочнее, и тогда к тебе обязательно потянутся.
Александр Аношин
27.03.202509:15
Сегодня в авторской рубрике «Ориентиры» Олег Соболев рассказывает об альбоме барабанщика Скотта Амендолы «Believe» и объясняет, почему эта музыка и спустя 20 лет не утратила своей актуальности.
💿 Scott Amendola Band «Believe» (Cryptogramophone, 2005)
Барабанщик Скотт Амендола прежде всего известен как сайдмен в группах Нельса Клайна и Чарли Хантера —двух совершенно разных гитаристов, объединенных, однако, приверженностью к жанру, который можно описать как американа. Эта музыка питается множеством традиций Нового Света, легко перетекая из раннего блюза в южную готику, из фанка промышленных городков в ритмы латиноамериканских диаспор.
Неудивительно, что и сольные работы Амендолы тяготеют к подобной стилистике. Проблема лишь в том, что о них почти никто не знает. Вот, например, слышали ли вы о диске «Believe»? А между тем он совершенно прекрасен. Такой альбом ставишь, чтобы один раз «прогнать» ради интереса, руководствуясь хронической меломанией, и через несколько дней обнаруживаешь, что слушаешь его примерно постоянно.
Состав участников — с ума сойти. Клайн при деле, а вторым гитаристом значится Джефф Паркер — теперь заслуженный ветеран чикагской сцены, не нуждающийся в представлениях, а тогда в первую очередь участник Tortoise. На басу — ныне покойный Джон Шиффлетт, музыкант тоже не самый известный, но по-своему культовый, одинаково тонко чувствовавший как сложную, так и простую музыку. На скрипке — Дженни Шейнман, еще одна певица американы, соратница Билла Фризелла, сама по себе крайне интересный композитор и инструменталист.
Собери этих людей вместе, дай им полную свободу — и они, возможно, на интуитивном уровне создадут великолепную музыку. Но Амендола (а это, кстати, свойственно многим барабанщикам) — прирожденный мелодист. Он непросто дает своей группе пространство творить, а направляет ее изящными мелодиями и разрешая их точными композиционными решениями. Достаточно послушать вторую вещь на альбоме, «Oladipo», чтобы понять, о чем речь: трек начинается с куплетов в духе классического афробита, но внезапно разрастается до почти симфонического размаха в припеве. Придумать такой ход — дорогого стоит.
Можно сказать, Амендола удивляет своим сочинительским чутьем. Он умеет превратить на первый взгляд простой, даже слегка слащавый блюз в эпос («Buffalo Bird Woman») или прокладывает под тонкими латиноамериканскими ритмами незаметную, но настойчивую мелодию безумной красоты («Valentine»). Его композиции полны неожиданных поворотов, игры с формой, сюжета, который то стремительно развивается, то неожиданно останавливается. Именно поэтому ему был необходим такой многогранный басист, как Шиффлетт, — этой музыке нужна опора.
Но главные звезды здесь — всё-таки три солирующих голоса: Клайн, Паркер и Шейнман. Все трое играют в пение: Клайн удерживается от авангардных экспериментов, но вспоминает про то, что он фанат Тома Верлена и группы Television; Паркер не углубляется в длинноты, а выдает филигранные лаконичные блюзовые соло; Шейнман придает музыке балладную широту. Их партии звучат так, будто были тщательно вписаны в композиции Амендолы в ходе долгих репетиций, и в то же время остаются живыми, спонтанными, искренними.
Яркий, мелодичный, игривый, мастерский альбом. Забытая жемчужина американского джаза нулевых. Пожалуй, ему не хватает лишь одного —хорошей обложки.
Олег Соболев
Слушать альбом
💿 Scott Amendola Band «Believe» (Cryptogramophone, 2005)
Барабанщик Скотт Амендола прежде всего известен как сайдмен в группах Нельса Клайна и Чарли Хантера —двух совершенно разных гитаристов, объединенных, однако, приверженностью к жанру, который можно описать как американа. Эта музыка питается множеством традиций Нового Света, легко перетекая из раннего блюза в южную готику, из фанка промышленных городков в ритмы латиноамериканских диаспор.
Неудивительно, что и сольные работы Амендолы тяготеют к подобной стилистике. Проблема лишь в том, что о них почти никто не знает. Вот, например, слышали ли вы о диске «Believe»? А между тем он совершенно прекрасен. Такой альбом ставишь, чтобы один раз «прогнать» ради интереса, руководствуясь хронической меломанией, и через несколько дней обнаруживаешь, что слушаешь его примерно постоянно.
Состав участников — с ума сойти. Клайн при деле, а вторым гитаристом значится Джефф Паркер — теперь заслуженный ветеран чикагской сцены, не нуждающийся в представлениях, а тогда в первую очередь участник Tortoise. На басу — ныне покойный Джон Шиффлетт, музыкант тоже не самый известный, но по-своему культовый, одинаково тонко чувствовавший как сложную, так и простую музыку. На скрипке — Дженни Шейнман, еще одна певица американы, соратница Билла Фризелла, сама по себе крайне интересный композитор и инструменталист.
Собери этих людей вместе, дай им полную свободу — и они, возможно, на интуитивном уровне создадут великолепную музыку. Но Амендола (а это, кстати, свойственно многим барабанщикам) — прирожденный мелодист. Он непросто дает своей группе пространство творить, а направляет ее изящными мелодиями и разрешая их точными композиционными решениями. Достаточно послушать вторую вещь на альбоме, «Oladipo», чтобы понять, о чем речь: трек начинается с куплетов в духе классического афробита, но внезапно разрастается до почти симфонического размаха в припеве. Придумать такой ход — дорогого стоит.
Можно сказать, Амендола удивляет своим сочинительским чутьем. Он умеет превратить на первый взгляд простой, даже слегка слащавый блюз в эпос («Buffalo Bird Woman») или прокладывает под тонкими латиноамериканскими ритмами незаметную, но настойчивую мелодию безумной красоты («Valentine»). Его композиции полны неожиданных поворотов, игры с формой, сюжета, который то стремительно развивается, то неожиданно останавливается. Именно поэтому ему был необходим такой многогранный басист, как Шиффлетт, — этой музыке нужна опора.
Но главные звезды здесь — всё-таки три солирующих голоса: Клайн, Паркер и Шейнман. Все трое играют в пение: Клайн удерживается от авангардных экспериментов, но вспоминает про то, что он фанат Тома Верлена и группы Television; Паркер не углубляется в длинноты, а выдает филигранные лаконичные блюзовые соло; Шейнман придает музыке балладную широту. Их партии звучат так, будто были тщательно вписаны в композиции Амендолы в ходе долгих репетиций, и в то же время остаются живыми, спонтанными, искренними.
Яркий, мелодичный, игривый, мастерский альбом. Забытая жемчужина американского джаза нулевых. Пожалуй, ему не хватает лишь одного —хорошей обложки.
Олег Соболев
Слушать альбом
20.03.202508:42
На лейбле Jazzist новый релиз — дебютный альбом «Rivers» московской группы Flying Fish!
Каталог лейбла, в котором уже два с лишним десятка работ, — это почти без исключений джаз в его разных ипостасях, от консервативных до новаторских. Но Юрий Льноградский справедливо замечает, что той музыки, которую играют Flying Fish, в нем до этого практически не было.
Группа представляет на этом альбоме, например, болгарский и молдавский народные танцы, алжирский канун, индийский коннакол или бузуки, инструмент с греческими корнями, — и это далеко не всё. Добавьте сюда нацеленность на современные аранжировки, никак не повторяющие канонических форматов той или иной народной музыки. Добавьте безладовый электрический бас, современные ударные, трубу, саксофоны. Добавьте (как говорится, внезапно) древнюю европейскую виолу да гамба, которая имеет куда больше отношения к салонному аристократическому мышлению, чем к той или иной национальной музыкальной школе. Что на выходе? World music плюс современные аранжировки, не ограниченные узкой стилистикой.
Читайте полный текст Юрия Льноградского на нашем сайте и слушайте «Rivers» на всех главных стриминговых платформах.
Презентация альбома состоится сегодня в КЦ «ДОМ». Билеты еще остались!
Каталог лейбла, в котором уже два с лишним десятка работ, — это почти без исключений джаз в его разных ипостасях, от консервативных до новаторских. Но Юрий Льноградский справедливо замечает, что той музыки, которую играют Flying Fish, в нем до этого практически не было.
Группа представляет на этом альбоме, например, болгарский и молдавский народные танцы, алжирский канун, индийский коннакол или бузуки, инструмент с греческими корнями, — и это далеко не всё. Добавьте сюда нацеленность на современные аранжировки, никак не повторяющие канонических форматов той или иной народной музыки. Добавьте безладовый электрический бас, современные ударные, трубу, саксофоны. Добавьте (как говорится, внезапно) древнюю европейскую виолу да гамба, которая имеет куда больше отношения к салонному аристократическому мышлению, чем к той или иной национальной музыкальной школе. Что на выходе? World music плюс современные аранжировки, не ограниченные узкой стилистикой.
Читайте полный текст Юрия Льноградского на нашем сайте и слушайте «Rivers» на всех главных стриминговых платформах.
Презентация альбома состоится сегодня в КЦ «ДОМ». Билеты еще остались!
Көрсетілген 1 - 24 арасынан 35
Көбірек мүмкіндіктерді ашу үшін кіріңіз.