Женя Манн
17.03.202509:43
ВЫШЕЛ РАЗБОР СВЕДЕНИЯ BIG BABY TAPE, TOXI$ - AMELI
В видео:
🔵детальный разбор обработки вокальных групп — рассказываю, какие плагины использую и как они работают.
🔵показываю, как устроена обработка инструментала и объясняю структуру темплейта.
🔵говорим о трудностях с которыми пришлось столкнуться, и как я их решил.
🔵и, конечно, делюсь финальной обработкой на мастер секции
Получилось мощно, полезно, интересно. Приятного просмотра 👇🏻
СМОТРЕТЬ РАЗБОР🔥
В видео:
🔵детальный разбор обработки вокальных групп — рассказываю, какие плагины использую и как они работают.
🔵показываю, как устроена обработка инструментала и объясняю структуру темплейта.
🔵говорим о трудностях с которыми пришлось столкнуться, и как я их решил.
🔵и, конечно, делюсь финальной обработкой на мастер секции
Получилось мощно, полезно, интересно. Приятного просмотра 👇🏻
СМОТРЕТЬ РАЗБОР🔥
07.02.202512:29
📈Сколько на самом деле стоит сведение?
В недавнем диалоге с «потенциальным клиентом» я выяснил, что он закладывает бюджет на сведение одного трека 1500 рублей ($15). Это буквально две пачки пельменей в России или две пачки сигарет у меня в Израиле. Удивляет то, что он оценивает недельную работу профессионала в копейки, при этом сам рассчитывает хорошо зарабатывать своим творчеством.
Мне довольно часто пишут такие персонажи, но я никогда не поднимал эту тему для обсуждения, видимо теперь пришло время поговорить о ценообразовании. Это будет полезно артистам и коллегам по цеху.
В первую очередь стоимость формируется из личного опыта, качества работы и достижений. Отсюда вытекает плотный график, с которым можно справиться только повышением цен. Добавим к этому расходы в виде аренды помещения, покупку и обслуживание оборудования, подписки на сервисы и плагины, необходимые для работы, налоги в конце концов. Учитывая все вводные, уже складывается приличная сумма, чтобы работать в ноль.
К нам обращались десятки раз с просьбой пересвести материал, и каждый раз одно и тоже: «Я думал заплатив меньше, получу, тот же результат.» В итоге потрачено время и дополнительные средства. Это говорит о ложных ожиданиях и непонимании чем вообще занимаются микс-инженеры, для кого-то это просто нажимать на кнопки или час делов.
Удивительно, но многие состоявшиеся артисты по привычке продолжают искать варианты сведения подешевле, при этом тратят на клипы несравнимые суммы, будто звук это что-то второстепенное в карьере музыканта.
Я неустанно обращаю ваше внимание на опыт западной индустрии, где всё работает, как отлаженная схема. Где учитывается вклад каждого участника и работа оценивается по-достоинству.
За каждым безупречным миксом стоят часы кропотливой работы, которые нельзя измерить копейками. Если вы верите в своё творчество, инвестируйте в качество.🚀
«Цена – это то, что вы платите. Ценность – это то, что вы получаете.» – Уоррен Баффет
tg: zvukachmanich
В недавнем диалоге с «потенциальным клиентом» я выяснил, что он закладывает бюджет на сведение одного трека 1500 рублей ($15). Это буквально две пачки пельменей в России или две пачки сигарет у меня в Израиле. Удивляет то, что он оценивает недельную работу профессионала в копейки, при этом сам рассчитывает хорошо зарабатывать своим творчеством.
Мне довольно часто пишут такие персонажи, но я никогда не поднимал эту тему для обсуждения, видимо теперь пришло время поговорить о ценообразовании. Это будет полезно артистам и коллегам по цеху.
В первую очередь стоимость формируется из личного опыта, качества работы и достижений. Отсюда вытекает плотный график, с которым можно справиться только повышением цен. Добавим к этому расходы в виде аренды помещения, покупку и обслуживание оборудования, подписки на сервисы и плагины, необходимые для работы, налоги в конце концов. Учитывая все вводные, уже складывается приличная сумма, чтобы работать в ноль.
К нам обращались десятки раз с просьбой пересвести материал, и каждый раз одно и тоже: «Я думал заплатив меньше, получу, тот же результат.» В итоге потрачено время и дополнительные средства. Это говорит о ложных ожиданиях и непонимании чем вообще занимаются микс-инженеры, для кого-то это просто нажимать на кнопки или час делов.
Удивительно, но многие состоявшиеся артисты по привычке продолжают искать варианты сведения подешевле, при этом тратят на клипы несравнимые суммы, будто звук это что-то второстепенное в карьере музыканта.
Я неустанно обращаю ваше внимание на опыт западной индустрии, где всё работает, как отлаженная схема. Где учитывается вклад каждого участника и работа оценивается по-достоинству.
За каждым безупречным миксом стоят часы кропотливой работы, которые нельзя измерить копейками. Если вы верите в своё творчество, инвестируйте в качество.🚀
«Цена – это то, что вы платите. Ценность – это то, что вы получаете.» – Уоррен Баффет
tg: zvukachmanich
01.02.202509:32
🎛 Как концертный опыт изменил мой подход к студийной работе
Студия и концертный звук — два совершенно разных мира. Но что, если объединить их? За 9 лет работы на площадках я понял, что некоторые приёмы отлично работают и в студии. И одна случайность окончательно убедила меня в этом.
Большинство моих лайвов проходили в небольших помещениях с дикой акустикой. Залы, где звук гуляет по стенам, низы заводятся, а вокал теряется в пространстве. Сначала я пытался с этим бороться, но в какой-то момент понял: если я не могу полностью контролировать естественную реверберацию, то почему бы не сделать её частью звука?
Так я начал отстраивать каналы с учётом зала и вместо того, чтобы пытаться убрать реверб, работал с ним. При этом из встроенных эффектов использовал только делэй, а весь объём формировался за счёт самого помещения.
Конечно, когда площадка позволяет, я использую все возможности пульта, чтобы полностью контролировать звучание. Но в большинстве случаев этот подход не раз меня выручал.
Во время одного из туров мы сидели в гримёрке, где стояла большая колонка. Я включил наш альбом и сразу заметил, что он звучит сочнее, чем обычно. Звук стал глубже, насыщеннее. Я пытался понять, что изменилось — и обнаружил, что на задней панели колонки был включён реверб примерно на 5%.
После этого я задумался: если даже небольшой реверб может так менять восприятие звука, почему бы не попробовать использовать это осознанно в студийной работе?
Так появился мой рабочий пресет — я взял преднастройку Music Club в Valhalla Room, донастроил её под реалии, с которыми чаще всего сталкивался, и начал использовать на общей группе микса.
Этот эффект не был аксиомой, но много раз меня выручал. Где-то можно было слегка подмешать для создания глубины, а в некоторых случаях настраивать баланс прямо внутри реверба.
📌 Иногда лучшие решения приходят не из учебников, а из реального опыта. Главное — заметить их и не бояться применять.
tg: zvukachmanich
Студия и концертный звук — два совершенно разных мира. Но что, если объединить их? За 9 лет работы на площадках я понял, что некоторые приёмы отлично работают и в студии. И одна случайность окончательно убедила меня в этом.
Большинство моих лайвов проходили в небольших помещениях с дикой акустикой. Залы, где звук гуляет по стенам, низы заводятся, а вокал теряется в пространстве. Сначала я пытался с этим бороться, но в какой-то момент понял: если я не могу полностью контролировать естественную реверберацию, то почему бы не сделать её частью звука?
Так я начал отстраивать каналы с учётом зала и вместо того, чтобы пытаться убрать реверб, работал с ним. При этом из встроенных эффектов использовал только делэй, а весь объём формировался за счёт самого помещения.
Конечно, когда площадка позволяет, я использую все возможности пульта, чтобы полностью контролировать звучание. Но в большинстве случаев этот подход не раз меня выручал.
Во время одного из туров мы сидели в гримёрке, где стояла большая колонка. Я включил наш альбом и сразу заметил, что он звучит сочнее, чем обычно. Звук стал глубже, насыщеннее. Я пытался понять, что изменилось — и обнаружил, что на задней панели колонки был включён реверб примерно на 5%.
После этого я задумался: если даже небольшой реверб может так менять восприятие звука, почему бы не попробовать использовать это осознанно в студийной работе?
Так появился мой рабочий пресет — я взял преднастройку Music Club в Valhalla Room, донастроил её под реалии, с которыми чаще всего сталкивался, и начал использовать на общей группе микса.
Этот эффект не был аксиомой, но много раз меня выручал. Где-то можно было слегка подмешать для создания глубины, а в некоторых случаях настраивать баланс прямо внутри реверба.
📌 Иногда лучшие решения приходят не из учебников, а из реального опыта. Главное — заметить их и не бояться применять.
tg: zvukachmanich
12.02.202513:30
🎛 SSL Comp на общей шине вокала
Однажды на финальной стадии микса я случайно открыл для себя интересный приём с использованием SSL Comp на общей шине вокала. Я что-то поправлял в инструментале и временно убрал вокал, а когда вернул его, то заметил, что он оказался в пространстве не там, где я его представлял в голове. Это заставило меня задуматься о том, как вокал должен органично вписываться в микс.
Я начал экспериментировать с различными компрессорами и остановился на UAD SSL Comp. Перепробовав SSL от разных производителей, я понял, что именно UAD версия лучше всего подходит для моих задач. Она позволяет добиться чёткого и контролируемого звучания, особенно при работе с общей группой вокала.
Основная фишка UAD SSL Comp заключается в том, что при нулевом трэшхолде компрессор не начинает сжимать сигнал сразу, как это происходит в других версиях. Это даёт чистый сигнал, и я могу самостоятельно решать, сколько компрессии добавить. Это особенно важно для естественности звучания и минимизации артефактов.
Когда я начал использовать SSL Comp, я заметил, что даже без активного сжатия он влияет на ориентацию звука в пространстве. Например, при стандартных настройках (атака 3, ratio 2:1, release 300) вокал уже начинает центрироваться в миксе. Если увеличить ratio до 10:1, вокал становится ещё более сфокусированным, как будто его “притягивает” к центру. Это создаёт ощущение, что компрессор не просто склеивает звук, но и задаёт его пространственное положение.
Я использую этот приём только на общей шине вокала. Пробовал применять его на группе мелодий, но эффект был совершенно другим. На вокале SSL Comp даёт фокус и естественное погружение в микс, а на инструментах он начинает доминировать, что смещает баланс. Таким образом, эта техника работает за счёт расстановки приоритетов в миксе.
Можно сказать, что SSL Comp в данном случае работает как “пространственный клей”, помогая правильно расставить акценты между вокалом и инструментами, даже без активного сжатия. Этот приём универсален и подходит для любых жанров. Я использовал его на протяжении минимум пяти лет, но сейчас стал более гибким в выборе компрессоров в зависимости от характера трека.
Помимо UAD SSL Comp, у меня есть ещё два фаворита:
Violet (Acustica Audio) – даёт объём и плавность, создавая мягкое и музыкальное звучание.
Germanium (Softube) – добавляет гармоники и плотность, делая звук более насыщенным и жирным.
SSL Comp остаётся выбором для прозрачности и фокуса, подчёркивая естественную динамику без окрашивания.
Обычно я сразу понимаю, какой характер нужен треку, и выбираю компрессор по ощущению, а не методом перебора. Это уже не просто техническое решение, а интуитивный подход. Компрессор для меня – не инструмент коррекции, а часть художественного восприятия. Я не подстраиваюсь под стандартные схемы, а сразу чувствую, какой характер нужен треку.
Важный момент – я добавляю компрессор на общую шину вокала только на финальном этапе работы. Он не формирует звук с самого начала, а закрепляет финальный баланс, помогая вокалу занять своё место в миксе.
tg: zvukachmanich
Однажды на финальной стадии микса я случайно открыл для себя интересный приём с использованием SSL Comp на общей шине вокала. Я что-то поправлял в инструментале и временно убрал вокал, а когда вернул его, то заметил, что он оказался в пространстве не там, где я его представлял в голове. Это заставило меня задуматься о том, как вокал должен органично вписываться в микс.
Я начал экспериментировать с различными компрессорами и остановился на UAD SSL Comp. Перепробовав SSL от разных производителей, я понял, что именно UAD версия лучше всего подходит для моих задач. Она позволяет добиться чёткого и контролируемого звучания, особенно при работе с общей группой вокала.
Основная фишка UAD SSL Comp заключается в том, что при нулевом трэшхолде компрессор не начинает сжимать сигнал сразу, как это происходит в других версиях. Это даёт чистый сигнал, и я могу самостоятельно решать, сколько компрессии добавить. Это особенно важно для естественности звучания и минимизации артефактов.
Когда я начал использовать SSL Comp, я заметил, что даже без активного сжатия он влияет на ориентацию звука в пространстве. Например, при стандартных настройках (атака 3, ratio 2:1, release 300) вокал уже начинает центрироваться в миксе. Если увеличить ratio до 10:1, вокал становится ещё более сфокусированным, как будто его “притягивает” к центру. Это создаёт ощущение, что компрессор не просто склеивает звук, но и задаёт его пространственное положение.
Я использую этот приём только на общей шине вокала. Пробовал применять его на группе мелодий, но эффект был совершенно другим. На вокале SSL Comp даёт фокус и естественное погружение в микс, а на инструментах он начинает доминировать, что смещает баланс. Таким образом, эта техника работает за счёт расстановки приоритетов в миксе.
Можно сказать, что SSL Comp в данном случае работает как “пространственный клей”, помогая правильно расставить акценты между вокалом и инструментами, даже без активного сжатия. Этот приём универсален и подходит для любых жанров. Я использовал его на протяжении минимум пяти лет, но сейчас стал более гибким в выборе компрессоров в зависимости от характера трека.
Помимо UAD SSL Comp, у меня есть ещё два фаворита:
Violet (Acustica Audio) – даёт объём и плавность, создавая мягкое и музыкальное звучание.
Germanium (Softube) – добавляет гармоники и плотность, делая звук более насыщенным и жирным.
SSL Comp остаётся выбором для прозрачности и фокуса, подчёркивая естественную динамику без окрашивания.
Обычно я сразу понимаю, какой характер нужен треку, и выбираю компрессор по ощущению, а не методом перебора. Это уже не просто техническое решение, а интуитивный подход. Компрессор для меня – не инструмент коррекции, а часть художественного восприятия. Я не подстраиваюсь под стандартные схемы, а сразу чувствую, какой характер нужен треку.
Важный момент – я добавляю компрессор на общую шину вокала только на финальном этапе работы. Он не формирует звук с самого начала, а закрепляет финальный баланс, помогая вокалу занять своё место в миксе.
tg: zvukachmanich
06.02.202514:50
Добавил темплейт для Ableton, но тк в нём нельзя группировать ретёрны, то он работает через небольшой костыль в виде ещё одного общего ретёрна, он подписан и покрашен в цвет групп.
Ableton Template
Cubase Template
Logic Template
Чтобы сохранить в папку с темплейтами, после открытия файла нужно выбрать File/Save As Template
tg: zvukachmanich
Ableton Template
Cubase Template
Logic Template
Чтобы сохранить в папку с темплейтами, после открытия файла нужно выбрать File/Save As Template
tg: zvukachmanich
29.01.202519:37
Раз в два месяца я слушаю редакторские плейлисты, чтобы понять, что сейчас в тренде, кто звучит свежо, а кто топчется на месте. Сегодня открыл “Громкие новинки месяца” — и сразу фейспалм. Ощущение, что индустрия застыла во времени, а многие поп-исполнители просто перестали заморачиваться над звучанием.
Исполнители с огромной аудиторией, похоже, решили, что главное — это имя, а не музыка. У них и так миллионы слушателей, так зачем напрягаться? Новые треки звучат так, будто их записали несколько лет назад. Всё по старым лекалам, без малейшей попытки обновить звучание.
А что со сведением? Некоторые треки хорошо звучат только до припева, а дальше становится больно ушам от ядовитого голоса, либо всё превращается в такую муть, что уху не за что зацепиться.
На этом фоне особенно выделяются рэп-исполнители. Не все, но большинство. Они чувствуют конкуренцию и понимают, если их звук не будет на уровне, слушатель просто уйдёт к другим. В этом жанре борьба за аудиторию гораздо жёстче, и выезжать только за счёт имени сложнее.
Плюс у рэперов всегда есть ориентир — западные артисты, которые буквально ежедневно показывают, как они работают в студиях, рассказывают про поиск звучания и выкладывают бэкстейджи с записи. Там над треком работает целая команда: битмейкеры, продюсеры, инженеры. Такой подход в итоге даёт качественный и актуальный звук.
Но главная проблема — не в отдельных артистах, а в том, как формируется сам плейлист. “Громкие новинки месяца”? Нет, скорее просто новинки. Здесь нет хотя бы двух треков подряд, которые звучали бы действительно достойно. Все кто в лес, кто по дрова.
Ощущение, что редакторы просто набрали треков, которые “должны быть в плейлисте”, но не задумывались, как они сочетаются друг с другом. Как итог — никакого общего тренда не ощущается, просто хаотичный набор песен, который не даёт понимания, куда движется индустрия.
Плейлисты уже который год забиты кавказцами. Если раньше это было чем-то новым для российского слушателя, то сейчас это уже переработка одного и того же материала под новыми именами. Первопроходцы этого жанра действительно оставляли впечатление и заслуженно стали хитмэйкерами. А теперь идёт бесконечное самоповторение, когда ничего свежего уже не появляется, а просто эксплуатируются старые формулы.
Ощущение, что санкции всё-таки влияют на музыкальный рынок в России. С середины 2022 года на площадки не поступают новые западные релизы, и индустрия замкнулась сама на себе.
Средний слушатель не полезет специально искать новые треки, поэтому потребляет то, что дают. А дают в основном местных исполнителей, которые теперь ориентируются друг на друга, а не на глобальные тренды. Нет притока свежих идей, нет внешней конкуренции — результат очевиден. Артисты варятся в одном и том же бульоне, где прогрессировать уже некуда.
“Без традиций искусство — это стадо овец без пастуха. Без инноваций оно — труп.”
— Уинстон Черчилль
tg: zvukachmanich
Исполнители с огромной аудиторией, похоже, решили, что главное — это имя, а не музыка. У них и так миллионы слушателей, так зачем напрягаться? Новые треки звучат так, будто их записали несколько лет назад. Всё по старым лекалам, без малейшей попытки обновить звучание.
А что со сведением? Некоторые треки хорошо звучат только до припева, а дальше становится больно ушам от ядовитого голоса, либо всё превращается в такую муть, что уху не за что зацепиться.
На этом фоне особенно выделяются рэп-исполнители. Не все, но большинство. Они чувствуют конкуренцию и понимают, если их звук не будет на уровне, слушатель просто уйдёт к другим. В этом жанре борьба за аудиторию гораздо жёстче, и выезжать только за счёт имени сложнее.
Плюс у рэперов всегда есть ориентир — западные артисты, которые буквально ежедневно показывают, как они работают в студиях, рассказывают про поиск звучания и выкладывают бэкстейджи с записи. Там над треком работает целая команда: битмейкеры, продюсеры, инженеры. Такой подход в итоге даёт качественный и актуальный звук.
Но главная проблема — не в отдельных артистах, а в том, как формируется сам плейлист. “Громкие новинки месяца”? Нет, скорее просто новинки. Здесь нет хотя бы двух треков подряд, которые звучали бы действительно достойно. Все кто в лес, кто по дрова.
Ощущение, что редакторы просто набрали треков, которые “должны быть в плейлисте”, но не задумывались, как они сочетаются друг с другом. Как итог — никакого общего тренда не ощущается, просто хаотичный набор песен, который не даёт понимания, куда движется индустрия.
Плейлисты уже который год забиты кавказцами. Если раньше это было чем-то новым для российского слушателя, то сейчас это уже переработка одного и того же материала под новыми именами. Первопроходцы этого жанра действительно оставляли впечатление и заслуженно стали хитмэйкерами. А теперь идёт бесконечное самоповторение, когда ничего свежего уже не появляется, а просто эксплуатируются старые формулы.
Ощущение, что санкции всё-таки влияют на музыкальный рынок в России. С середины 2022 года на площадки не поступают новые западные релизы, и индустрия замкнулась сама на себе.
Средний слушатель не полезет специально искать новые треки, поэтому потребляет то, что дают. А дают в основном местных исполнителей, которые теперь ориентируются друг на друга, а не на глобальные тренды. Нет притока свежих идей, нет внешней конкуренции — результат очевиден. Артисты варятся в одном и том же бульоне, где прогрессировать уже некуда.
“Без традиций искусство — это стадо овец без пастуха. Без инноваций оно — труп.”
— Уинстон Черчилль
tg: zvukachmanich
09.02.202518:03
05.02.202519:01
Если ты работаешь без темплейта или не знаешь, как его настроить, то дочитай этот пост до конца🚀
Каждый новый проект начинается с однообразного ритуала: создать дорожки, настроить маршрутизацию, подключить плагины — обычно это занимает 15–20 минут. Если проектов много, это время уходит не на творчество, а на рутину.
Темплейт решает эту проблему за секунды. Все дорожки уже готовы. Открываешь проект — и можно сразу начинать запись или раздыривать исходники, а не тратить время на создание новых треков и выставление настроек.
Маршрутизация настроена так, чтобы сигнал автоматически уходил в нужные группы и каналы. Например, вокал сразу попадает в назначенную шину, эффекты распределяются по aux-каналам, бас отправляется на саб-группу. Это убирает хаос в сессии и избавляет от риска, что-то случайно пропустить.
Эффекты вроде реверберации и дилея уже разведены по сендам. Хочешь добавить объёма — просто выкручиваешь нужный send, без лишних манипуляций. Это особенно полезно на этапе записи или продакшена, когда нужно быстро накинуть пространство на вокал или синт и сразу услышать, как оно будет работать в миксе.
Набор дефолтных плагинов уже стоит на своих местах, но в байпасе. Например, фильтр на вокале, сайд-чейн на басу, компрессор на общей группе. Всё это можно включить в любой момент, не тратя время на поиск и загрузку.
Я подготовил универсальный темплейт для Cubase и Logic, который служит отличной базой для дальнейшего апгрейда под любые нужды. Пользуйся.
Cubase Template
Logic Template
Чтобы сохранить в папку с темплейтами, после открытия файла нужно выбрать File/Save As Template
tg: zvukachmanich
Каждый новый проект начинается с однообразного ритуала: создать дорожки, настроить маршрутизацию, подключить плагины — обычно это занимает 15–20 минут. Если проектов много, это время уходит не на творчество, а на рутину.
Темплейт решает эту проблему за секунды. Все дорожки уже готовы. Открываешь проект — и можно сразу начинать запись или раздыривать исходники, а не тратить время на создание новых треков и выставление настроек.
Маршрутизация настроена так, чтобы сигнал автоматически уходил в нужные группы и каналы. Например, вокал сразу попадает в назначенную шину, эффекты распределяются по aux-каналам, бас отправляется на саб-группу. Это убирает хаос в сессии и избавляет от риска, что-то случайно пропустить.
Эффекты вроде реверберации и дилея уже разведены по сендам. Хочешь добавить объёма — просто выкручиваешь нужный send, без лишних манипуляций. Это особенно полезно на этапе записи или продакшена, когда нужно быстро накинуть пространство на вокал или синт и сразу услышать, как оно будет работать в миксе.
Набор дефолтных плагинов уже стоит на своих местах, но в байпасе. Например, фильтр на вокале, сайд-чейн на басу, компрессор на общей группе. Всё это можно включить в любой момент, не тратя время на поиск и загрузку.
Я подготовил универсальный темплейт для Cubase и Logic, который служит отличной базой для дальнейшего апгрейда под любые нужды. Пользуйся.
Cubase Template
Logic Template
Чтобы сохранить в папку с темплейтами, после открытия файла нужно выбрать File/Save As Template
tg: zvukachmanich
27.01.202519:54
🎛️ Молодость vs Опыт: Кто на самом деле создаёт новый звук?
Когда-то я верил, что музыкальная революция — удел двадцатилетних в рваных джинсах. Мол, только они могут придумать что-то «вау» — дерзкое, сырое, внесистемное. А потом я узнал, что за Billie Eilish стоит обладатель Грэмми Роб Кинельски (44 года), за Travis Scott — 50-летний Майк Дин, а треки yungblud сводит Нил Эврон – ветеран американской рок-сцены.
И тут меня осенило: новое звучание рождается не вопреки опыту, а благодаря ему.
Почему «взрослые» рулят в музыке?
1. Они знают правила, чтобы их нарушать.
Молодой продюсер может случайно наткнуться на крутой приём. Опытный — понимает, почему это работает, и доводит до совершенства.
Пример: Рик Рубин в 60 лет записывает хит для Lil Yachty, используя те же приёмы, что и в работе с Beastie Boys.
2. Технический бэкграунд = свобода.
Когда ты 20 лет крутишь ручки, ты не тратишь время на поиск «того самого» плагина. Ты сразу лезешь в папку с надписью «Проверено, но не банально».
3. Они фильтруют тренды.
Молодёжь гонится за модным звучанием TikTok. Сторожилы умеют отличать «это продержится год» от «это станет классикой».
Вспомните, как Энди Уоллес в 2000-х микшировал Linkin Park — тогда это было «неформатно», а теперь это учебник для всех.
Но где же прорывы?
Они случаются, когда бунтарство и опыт идут в одной связке:
Молодой артист приносит сырую идею.
Взрослый продюсер превращает её в алмаз, не убивая блеск.
Пример: The Weeknd и Макс Мартин — артист с уникальным видением и продюсер с десятилетиями опыта, вместе создающие современные хиты с классическим вайбом, а доводит звук до идеала Сербан Генеа.
Так кто же важнее?
Спойлер: оба.
Молодость — это горючее: энергия, эксперименты, смелость.
Опыт — это руль: направляет, чтобы не врезаться в стену.
📢 Дискуссия:
А как вы считаете — индустрии нужны новаторы или ремесленники? Или те, кто умеет быть и тем, и другим?
P.S. Лайв-пример: когда я сводил Cadillac Моргенштерна и Элджея, долго не мог добиться пробивного низа. Опыт подсказал, что тут нужен клиппер — и он сработал, самый обычный из стандартных плагинов. Но позже Алишер попросил утрировать его эффект, и получилось реально мощно. Прошло 6 лет, а вопрос «Как ты сделал этот кик?» до сих пор прилетает в личку.
tg: zvukachmanich
Когда-то я верил, что музыкальная революция — удел двадцатилетних в рваных джинсах. Мол, только они могут придумать что-то «вау» — дерзкое, сырое, внесистемное. А потом я узнал, что за Billie Eilish стоит обладатель Грэмми Роб Кинельски (44 года), за Travis Scott — 50-летний Майк Дин, а треки yungblud сводит Нил Эврон – ветеран американской рок-сцены.
И тут меня осенило: новое звучание рождается не вопреки опыту, а благодаря ему.
Почему «взрослые» рулят в музыке?
1. Они знают правила, чтобы их нарушать.
Молодой продюсер может случайно наткнуться на крутой приём. Опытный — понимает, почему это работает, и доводит до совершенства.
Пример: Рик Рубин в 60 лет записывает хит для Lil Yachty, используя те же приёмы, что и в работе с Beastie Boys.
2. Технический бэкграунд = свобода.
Когда ты 20 лет крутишь ручки, ты не тратишь время на поиск «того самого» плагина. Ты сразу лезешь в папку с надписью «Проверено, но не банально».
3. Они фильтруют тренды.
Молодёжь гонится за модным звучанием TikTok. Сторожилы умеют отличать «это продержится год» от «это станет классикой».
Вспомните, как Энди Уоллес в 2000-х микшировал Linkin Park — тогда это было «неформатно», а теперь это учебник для всех.
Но где же прорывы?
Они случаются, когда бунтарство и опыт идут в одной связке:
Молодой артист приносит сырую идею.
Взрослый продюсер превращает её в алмаз, не убивая блеск.
Пример: The Weeknd и Макс Мартин — артист с уникальным видением и продюсер с десятилетиями опыта, вместе создающие современные хиты с классическим вайбом, а доводит звук до идеала Сербан Генеа.
Так кто же важнее?
Спойлер: оба.
Молодость — это горючее: энергия, эксперименты, смелость.
Опыт — это руль: направляет, чтобы не врезаться в стену.
📢 Дискуссия:
А как вы считаете — индустрии нужны новаторы или ремесленники? Или те, кто умеет быть и тем, и другим?
P.S. Лайв-пример: когда я сводил Cadillac Моргенштерна и Элджея, долго не мог добиться пробивного низа. Опыт подсказал, что тут нужен клиппер — и он сработал, самый обычный из стандартных плагинов. Но позже Алишер попросил утрировать его эффект, и получилось реально мощно. Прошло 6 лет, а вопрос «Как ты сделал этот кик?» до сих пор прилетает в личку.
tg: zvukachmanich
09.02.202518:03
Хочу, порекомендовать вам свежий канал моего большого друга, Саши Соколова. Он делает короткие ролики про звук и всё что с ним связано, в том числе и по моим текстам. Сделано с любовью, с толком и с юмором. Я уже видел новые ролики, всё очень интересно. Подписывайтесь.
02.02.202517:11
🎛 Можно ли свести трек только компрессией?
Когда работаешь со сведением, всегда хочется найти новый подход. Однажды я задумался: а что если попробовать свести трек только компрессией?
Трек Коста Лакоста – Белая луна стал тем самым экспериментом. Но не потому, что я решил просто так усложнить себе жизнь, а потому, что стандартный подход не работал.
Я начал сводить трек как обычно, но чем больше внедрялся, тем хуже получалось. Голос становился то плоским, то мутным, а главное пропадал вайб. В какой-то момент я понял: мне нравится, как он звучит без эквалайзера, но его необходимо усадить в микс.
И тут меня осенило: компрессия — это ведь не только контроль динамики, но и инструмент для формирования звука. Если правильно подобрать атаку и релиз, можно жонглировать звуком в пространстве.
Я начал работать мелкими штрихами, поджимая голос в нужных местах. Где-то компрессия добавляла объёма, где-то делала звук плотнее, где-то подчёркивала нюансы. Это был тот редкий случай, когда технический подход не разрушал, а наоборот усиливал естественное звучание.
Эксперимент удался, и я использовал этот метод ещё несколько раз. Но важно понимать, что это работает не с любым материалом. Если исходники слабые, компрессия ничего не спасёт. В этом треке половина работы была сделана ещё на этапе записи. У нас всегда были подготовлены настройки на железе под Костю, писали с перегрузом в реалтайме, а так же сразу скомпоновали лучшие дубли.
Этот подход не заменит классическое сведение, но иногда меньше — значит лучше.
tg: zvukachmanich
Когда работаешь со сведением, всегда хочется найти новый подход. Однажды я задумался: а что если попробовать свести трек только компрессией?
Трек Коста Лакоста – Белая луна стал тем самым экспериментом. Но не потому, что я решил просто так усложнить себе жизнь, а потому, что стандартный подход не работал.
Я начал сводить трек как обычно, но чем больше внедрялся, тем хуже получалось. Голос становился то плоским, то мутным, а главное пропадал вайб. В какой-то момент я понял: мне нравится, как он звучит без эквалайзера, но его необходимо усадить в микс.
И тут меня осенило: компрессия — это ведь не только контроль динамики, но и инструмент для формирования звука. Если правильно подобрать атаку и релиз, можно жонглировать звуком в пространстве.
Я начал работать мелкими штрихами, поджимая голос в нужных местах. Где-то компрессия добавляла объёма, где-то делала звук плотнее, где-то подчёркивала нюансы. Это был тот редкий случай, когда технический подход не разрушал, а наоборот усиливал естественное звучание.
Эксперимент удался, и я использовал этот метод ещё несколько раз. Но важно понимать, что это работает не с любым материалом. Если исходники слабые, компрессия ничего не спасёт. В этом треке половина работы была сделана ещё на этапе записи. У нас всегда были подготовлены настройки на железе под Костю, писали с перегрузом в реалтайме, а так же сразу скомпоновали лучшие дубли.
Этот подход не заменит классическое сведение, но иногда меньше — значит лучше.
tg: zvukachmanich
Shown 1 - 11 of 11
Log in to unlock more functionality.